{"id":11366,"date":"2021-06-23T05:44:43","date_gmt":"2021-06-23T05:44:43","guid":{"rendered":"http:\/\/benheine.com\/33-major-art-movements-influence-art-world\/"},"modified":"2023-02-05T01:50:30","modified_gmt":"2023-02-05T01:50:30","slug":"33-grands-mouvements-artistiques-et-leur-influence-sur-le-monde-de-lart","status":"publish","type":"post","link":"https:\/\/benheine.com\/fr\/33-grands-mouvements-artistiques-et-leur-influence-sur-le-monde-de-lart\/","title":{"rendered":"33 grands mouvements artistiques et leur influence sur le monde d’aujourd’hui"},"content":{"rendered":"

L’art a \u00e9volu\u00e9 depuis l’origine de l’humanit\u00e9. Les artistes proposent constamment de nouveaux styles artistiques<\/a>. Un mouvement artistique est une tendance ou un style dans l’art avec une philosophie ou un objectif commun sp\u00e9cifique, suivi par un groupe d’artistes pendant une p\u00e9riode de temps (g\u00e9n\u00e9ralement quelques mois, ann\u00e9es ou d\u00e9cennies). Les mouvements artistiques \u00e9taient particuli\u00e8rement importants dans l’art moderne, lorsque chaque mouvement cons\u00e9cutif \u00e9tait consid\u00e9r\u00e9 comme un nouveau style d’avant-garde<\/a> comme par exemple le concept r\u00e9cent Pencil Vs Camera<\/a>. Il n’y a pas de r\u00e8gle lors du regroupement des mouvements artistiques.<\/p>\n

Cet article traite des principaux mouvements artistiques occidentaux, des styles artistiques et des concepts artistiques et de leur influence sur le monde d’aujourd’hui. Les images ci-dessous sont tir\u00e9es de Wikipedia et appartiennent \u00e0 leurs propri\u00e9taires respectifs.<\/p>\n

1. Art Pr\u00e9historique (- 40 000 av. JC. – 4 000 av. JC.)
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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Prehistoric-Artrt-33-major-Art-Movements-and-their-influence-on-the-Art-World-Ben-Heine-Blog-1024x682_30_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Les origines de l’histoire de l’art remontent \u00e0 des dizaines de milliers d’ann\u00e9es \u00e0 l’\u00e8re pr\u00e9historique, bien avant que des documents \u00e9crits ne soient conserv\u00e9s. Les premiers artefacts proviennent de l’\u00e8re pal\u00e9olithique, ou de l’\u00e2ge de la pierre, sous la forme de gravures rupestres, de gravures, d’images picturales, de sculptures et d’arrangements en pierre. L’art de cette p\u00e9riode reposait sur l’utilisation de\u00a0pigments naturels<\/a>\u00a0et de sculptures sur pierre pour cr\u00e9er des repr\u00e9sentations d’objets, d’animaux et rituels qui r\u00e9gissaient l’existence d’une civilisation. L’un des exemples les plus c\u00e9l\u00e8bres est celui des peintures rupestres pal\u00e9olithiques trouv\u00e9es dans les grottes complexes de Lascaux en France et qui ont 20.000 ans.<\/p>\n

2. Art Antique (- 4000 av. JC. – 400 ap. JC.)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Ancient-Art-Egypt-Main-Art-Movements-Ben-Heine-Blog-1_3_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

L’art ancien a \u00e9t\u00e9 produit par des civilisations avanc\u00e9es, qui dans ce cas se r\u00e9f\u00e8rent \u00e0 celles avec une langue \u00e9crite \u00e9tablie. Ces civilisations comprenaient notamment la M\u00e9sopotamie, \u00c9gypte<\/a>,\u00a0Gr\u00e8ce<\/a>, et ceux des Am\u00e9riques.<\/p>\n

La plupart des \u0153uvres d’art de cette p\u00e9riode ont des objectifs similaires\u00a0: raconter des histoires, d\u00e9corer des objets utilitaires comme des bols et des armes, afficher des images religieuses et symboliques et d\u00e9montrer un statut social. De nombreuses \u0153uvres d\u00e9peignent des histoires de souverains, de dieux et de d\u00e9esses.<\/p>\n

Des artistes du calibre de Picasso, Giacometti, Modigliani, Rodin ou Matisse, qui ont compl\u00e8tement r\u00e9volutionn\u00e9 le panorama artistique de leur temps, se sont profond\u00e9ment inspir\u00e9s de l’art antique. Picasso avait \u00e9tudi\u00e9 l’art grec et romain antique lors de ses visites au Louvre pendant ses ann\u00e9es d’\u00e9tudes. Des r\u00e9f\u00e9rences visuelles \u00e0 l’Antiquit\u00e9 commencent \u00e0 appara\u00eetre dans ses \u0153uvres \u00e0 partir de 1917, \u00e9galement connue sous le nom de \u00ab p\u00e9riode classique \u00bb de Picasso. Les nus sculpturaux, les compositions classiques, mais aussi un int\u00e9r\u00eat pour les sujets tir\u00e9s de la mythologie pr\u00e9valent dans les \u0153uvres de Picasso de cette \u00e9poque. Les sculptures du Parth\u00e9non ont aussi profond\u00e9ment marqu\u00e9 August Rodin lorsqu’il les a vues pour la premi\u00e8re fois au British Museum.<\/p>\n

\u00a0<\/p>\n

3. Art M\u00e9di\u00e9val (500-1400)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image-3-Medieval-Art-33-major-Art-Movements-1024x552_14_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le Moyen \u00c2ge, souvent appel\u00e9 \u00ab\u00a0\u00e2ge des t\u00e9n\u00e8bres\u00a0\u00bb, a marqu\u00e9 une p\u00e9riode de d\u00e9t\u00e9rioration \u00e9conomique et culturelle apr\u00e8s la chute de l’Empire romain en 476 apr\u00e8s JC.<\/p>\n

Il couvre une vaste \u00e9tendue de temps et de lieux, plus de 1000 ans d’art en\u00a0Europe<\/a>, et \u00e0 certaines p\u00e9riodes en\u00a0Asie occidentale<\/a>\u00a0et\u00a0Afrique du Nord<\/a> . Il comprend les grands mouvements et p\u00e9riodes artistiques, l’art national et r\u00e9gional, les genres, les reprises, l’artisanat des artistes et les artistes eux-m\u00eames. Un sch\u00e9ma g\u00e9n\u00e9ralement accept\u00e9 comprend les phases ult\u00e9rieures de\u00a0art chr\u00e9tien primitif<\/a>,\u00a0Art de la p\u00e9riode de migration<\/a>,\u00a0Art byzantin<\/a>,\u00a0Art insulaire<\/a>,\u00a0Pr\u00e9roman<\/a>,\u00a0Art roman, et\u00a0<\/a>Art gothique<\/a>, ainsi que de nombreuses autres p\u00e9riodes au sein de ces styles centraux. De plus, chaque r\u00e9gion, principalement pendant la p\u00e9riode en voie de devenir nations<\/a> ou cultures, avait son propre style artistique distinct, tel comme art anglo-saxon<\/a>\u00a0ou\u00a0Art viking<\/a>.<\/a><\/p>\n

L’art m\u00e9di\u00e9val a \u00e9t\u00e9 produit dans de nombreux m\u00e9dias, et les \u0153uvres survivent en grand nombre dans la sculpture<\/a>,\u00a0manuscrits enlumin\u00e9s<\/a>,\u00a0vitraux<\/a>,\u00a0m\u00e9tallurgie<\/a>\u00a0et\u00a0mosa\u00efques<\/a>. L’art m\u00e9di\u00e9val en Europe est n\u00e9 de l’h\u00e9ritage artistique de l’Empire romain et des traditions iconographiques de l’\u00c9glise chr\u00e9tienne primitive. Ces sources se sont m\u00eal\u00e9es \u00e0 la vigoureuse culture artistique \u00ab barbare \u00bb de l’Europe du Nord pour produire un h\u00e9ritage artistique remarquable.<\/p>\n

Techniquement parlant, les artistes m\u00e9di\u00e9vaux ont fait beaucoup d’erreurs dans la fa\u00e7on dont ils ont rendu la perspective, les tons et les couleurs mais ce manque de pr\u00e9cision a permis l’arriv\u00e9e du perfectionnisme r\u00e9volutionnaire de la Renaissance ou encore plus r\u00e9cemment des d\u00e9tails \u00e9tonnants du mouvement du photor\u00e9alisme.<\/p>\n

4. La Renaissance (1400-1600)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Renaissance-Art-Main-Art-Movements-Ben-Heine-Blog.jpeg-copy_32_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le style de peinture, de sculpture et d’art d\u00e9coratif<\/a>\u00a0de la Renaissance se caract\u00e9rise par un accent sur la nature et l’individualisme, la pens\u00e9e de l’homme comme ind\u00e9pendant et autonome. Bien que ces id\u00e9aux aient \u00e9t\u00e9 pr\u00e9sents \u00e0 la fin de la p\u00e9riode m\u00e9di\u00e9vale<\/a>, ils ont prosp\u00e9r\u00e9 aux XVe et XVIe\u00a0si\u00e8cles, parall\u00e8lement aux changements \u00e9conomiques comme la s\u00e9cularisation.<\/p>\n

La Renaissance a atteint son apog\u00e9e \u00e0 Florence, en Italie, en grande partie gr\u00e2ce aux M\u00e9dicis, une riche famille de marchands qui soutenait r\u00e9solument les arts et l’humanisme<\/i>, une vari\u00e9t\u00e9 de croyances et de philosophies qui mettent l’accent sur l’humain . Des artistes italiens comme\u00a0Filippo Brunelleschi<\/a>\u00a0ou\u00a0Donatello<\/a>\u00a0ont \u00e9t\u00e9 des innovateurs cl\u00e9s au cours de cette p\u00e9riode.<\/p>\n

Voici quelques-unes des techniques qui ont \u00e9t\u00e9 utilis\u00e9es \u00e0 la Renaissance et qui sont encore utilis\u00e9es aujourd’hui par les peintres modernes traditionnels et m\u00eame num\u00e9riques :<\/p>\n

L’utilisation de la proportion. La v\u00e9ritable perspective lin\u00e9aire a \u00e9t\u00e9 formalis\u00e9e plus tard, par Filippo Brunelleschi et Leon Battista Alberti. En plus de donner une pr\u00e9sentation plus r\u00e9aliste de l’art, cela a pouss\u00e9 les peintres de la Renaissance \u00e0 composer plus de peintures.<\/p>\n

Une autre technique \u00e9tait le raccourcissement. Le terme raccourcissement fait r\u00e9f\u00e9rence \u00e0 l’effet artistique de raccourcir les lignes d’un dessin afin de cr\u00e9er une illusion de perspective.<\/p>\n

Le Sfumato a aussi \u00e9t\u00e9 une grande invention de la Renaissance. Le terme sfumato a \u00e9t\u00e9 invent\u00e9 par l’artiste italien de la Renaissance L\u00e9onard de Vinci et fait r\u00e9f\u00e9rence \u00e0 une technique de peinture consistant \u00e0 brouiller ou \u00e0 adoucir les contours nets par un m\u00e9lange subtil et progressif d’un ton dans un autre gr\u00e2ce \u00e0 l’utilisation de gla\u00e7ures fines pour donner l’illusion de profondeur ou de tridimensionnalit\u00e9. Cela vient du mot italien sfumare qui signifie s’\u00e9vaporer ou dispara\u00eetre. L’origine latine est fumare, fumer.\u00a0<\/p>\n

Enfin, la technique du clair-obscur. Le terme clair-obscur fait r\u00e9f\u00e9rence \u00e0 l’effet de mod\u00e9lisation de la peinture consistant \u00e0 utiliser un fort contraste entre la lumi\u00e8re et l’obscurit\u00e9 pour donner l’illusion de profondeur ou de la tridimensionnalit\u00e9. Cela vient des mots italiens signifiant clair (chiaro) et sombre (scuro), une technique qui s’est largement r\u00e9pandue \u00e0 l’\u00e9poque baroque.<\/p>\n

5. Mani\u00e9risme (1527-1580)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le mani\u00e9risme<\/a>\u00a0comprend une vari\u00e9t\u00e9 d’approches influenc\u00e9es par les id\u00e9aux harmonieux associ\u00e9s \u00e0 des artistes tels que L\u00e9onard de Vinci, Rapha\u00ebl et Michel-Ange. L\u00e0 o\u00f9 l’art de la Haute Renaissance met l’accent sur les proportions, l’\u00e9quilibre et la beaut\u00e9 id\u00e9ale, le mani\u00e9risme exag\u00e8re ces qualit\u00e9s, aboutissant souvent \u00e0 des compositions asym\u00e9triques ou anormalement \u00e9l\u00e9gantes. Remarquable pour ses qualit\u00e9s artificielles (par opposition aux naturalistes), ce style artistique privil\u00e9gie la tension et l’instabilit\u00e9 de la composition plut\u00f4t que l’\u00e9quilibre et la clart\u00e9 de la peinture de la Renaissance ant\u00e9rieure. Le mani\u00e9risme dans la litt\u00e9rature et la musique est remarquable pour son style tr\u00e8s fleuri et sa sophistication intellectuelle. La d\u00e9finition du mani\u00e9risme et ses phases continuent d’\u00eatre un sujet de d\u00e9bat parmi les historiens de l’art. Par exemple, certains chercheurs ont appliqu\u00e9 cette \u00e9tiquette \u00e0 certaines formes de litt\u00e9rature moderne (en particulier la po\u00e9sie) et \u00e0 la musique des XVIe et XVIIe si\u00e8cles.<\/p>\n

Le mot Mani\u00e9risme vient d’un mot italien Maniera qui signifie \u00ab\u00a0Mani\u00e8re\u00a0\u00bb ou \u00ab\u00a0Style\u00a0\u00bb. Mais de nombreux historiens de l’art ont des points de vue diff\u00e9rents sur le mot mani\u00e9risme, mais beaucoup le reconnaissent et l’identifient encore \u00e0 la culture europ\u00e9enne du XVIe si\u00e8cle.<\/p>\n

Le terme est \u00e9galement utilis\u00e9 pour d\u00e9signer certains peintres gothiques tardifs travaillant dans le nord de l’Europe entre 1500 et 1530 environ, en particulier les mani\u00e9ristes anversois, un groupe sans rapport avec le mouvement italien. Le mani\u00e9risme a \u00e9galement \u00e9t\u00e9 appliqu\u00e9 par analogie \u00e0 l’\u00e2ge d’argent de la litt\u00e9rature latine.<\/p>\n

6. Baroque (1600-1750)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Baroque-Art-the_anatomy_lesson-Famous-Art-Movements.jpeg_5_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le terme baroque, d\u00e9riv\u00e9 du portugais ‘barocco’ qui signifie ‘perle ou pierre irr\u00e9guli\u00e8re’, est un mouvement artistique et architectural d\u00e9velopp\u00e9 en Europe du XVIIe au milieu du XVIIIe si\u00e8cle. Le baroque met l’accent sur un mouvement dramatique et exag\u00e9r\u00e9 et sur des d\u00e9tails clairs et faciles \u00e0 interpr\u00e9ter, ce qui est loin du surr\u00e9alisme, pour produire du drame, de la tension, de l’exub\u00e9rance et de la grandeur.<\/p>\n

Le style baroque utilisait le contraste, le mouvement, les d\u00e9tails exub\u00e9rants, les couleurs profondes, la grandeur et la surprise pour cr\u00e9er un sentiment de crainte. Le style a commenc\u00e9 au d\u00e9but du XVIIe si\u00e8cle \u00e0 Rome, puis s’est r\u00e9pandu rapidement en France, au nord de l’Italie, en Espagne et au Portugal, puis en Autriche, au sud de l’Allemagne et en Russie. Dans les ann\u00e9es 1730, il avait \u00e9volu\u00e9 vers un style encore plus flamboyant, appel\u00e9 rocaille ou rococo, qui est apparu en France et en Europe centrale jusqu’au milieu ou \u00e0 la fin du XVIIIe si\u00e8cle.<\/p>\n

Dans les arts d\u00e9coratifs, le style emploie une ornementation abondante et complexe. Une caract\u00e9ristique g\u00e9n\u00e9rale r\u00e9side dans les \u00e9l\u00e9ments ornementaux introduits par la Renaissance. Le r\u00e9pertoire classique est encombr\u00e9, dense, imbriqu\u00e9, charg\u00e9, afin de provoquer des effets de choc. Les nouveaux motifs introduits par le baroque sont : les troph\u00e9es et armes, les corbeilles de fruits ou de fleurs, et autres, r\u00e9alis\u00e9s en marqueterie, stuc, ou sculpt\u00e9s.<\/p>\n

Comme d’autres p\u00e9riodes artistiques, l’art baroque a lentement d\u00e9clin\u00e9 et de nombreux autres styles d’art sont apparus et l’ont remplac\u00e9. M\u00eame si d’autres styles artistiques sont apparus, l’art baroque a influenc\u00e9 l’art post-moderne, le design graphique moderne et le design d’int\u00e9rieur moderne. L’art post-moderne est influenc\u00e9 par l’art baroque car il repr\u00e9sente le rejet du nouvel art moderne. L’art baroque offre aux artistes une \u00e9chappatoire au mouvement artistique dominant. L’art baroque est tr\u00e8s extravagant et puissant, ce qui donne \u00e0 l’artiste contemporain plus de libert\u00e9 pour cr\u00e9er et imaginer des figures, des id\u00e9es et des sc\u00e8nes.<\/p>\n

\u00a0<\/p>\n

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7. N\u00e9oclassicisme (1750-1850)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Neoclacissism-1_26_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le n\u00e9oclassicisme met en place des principes incorpor\u00e9s dans les styles, les th\u00e9ories ou les philosophies des diff\u00e9rents types d’art de la Gr\u00e8ce et de la Rome antiques, se concentrant sur les formes traditionnelles en mettant l’accent sur l’\u00e9l\u00e9gance et la sym\u00e9trie. Au d\u00e9but et au milieu du XVIIIe si\u00e8cle, l’art baroque a c\u00e9d\u00e9 la place au Rococo d\u00e9cadent et fantaisiste. Plus tard, vers 1780, ce style frivole a \u00e9t\u00e9 remplac\u00e9 par le prochain grand renouveau de l’art classique, connu sous le nom de N\u00e9oclassicisme. D\u00e9fendu par le savant Johann Winckelmann (1717-68), ce nouveau style est illustr\u00e9 par la peinture n\u00e9oclassique de Jacques-Louis David (1748-1825) ; les photos de son disciple J.A.D. Ingres (1780-1867) ; la sculpture n\u00e9oclassique d’Antonio Canova (1757-1822) ; et l’architecture de designers comme Jacques Soufflot (1713-80), Thomas Jefferson (1743-1826) et d’autres.<\/p>\n

8. Romantisme (1780-1850)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Romanticism-33-major-Art-Movements-Ben-Heine-Blog-1_33_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le Romantisme \u00e9tait un mouvement artistique, litt\u00e9raire, musical et intellectuel qui est n\u00e9 en Europe vers la fin du XVIIIe si\u00e8cle, et dans la plupart des r\u00e9gions \u00e9tait \u00e0 son apog\u00e9e dans la p\u00e9riode de 1800 \u00e0 1850. Le romantisme se caract\u00e9risait par son accent sur l’\u00e9motion et l’individualisme ainsi que la glorification du pass\u00e9 et de la nature, pr\u00e9f\u00e9rant le m\u00e9di\u00e9val plut\u00f4t que le classique. C’\u00e9tait en partie une r\u00e9action \u00e0 la r\u00e9volution industrielle, aux normes sociales et politiques aristocratiques du si\u00e8cle des Lumi\u00e8res et \u00e0 la rationalisation scientifique de la nature.<\/p>\n

Parmi les attitudes caract\u00e9ristiques du romantisme figuraient les suivantes : une appr\u00e9ciation approfondie des beaut\u00e9s de la nature ; une exaltation g\u00e9n\u00e9rale de l’\u00e9motion sur la raison et des sens sur l’intellect ; un repli sur soi et un examen approfondi de la personnalit\u00e9 humaine, de ses humeurs et de ses potentialit\u00e9s psychologiques ; une pr\u00e9occupation pour le\u00a0g\u00e9nie<\/a>, le h\u00e9ros l’exceptionnel et une concentration sur ses passions et ses luttes int\u00e9rieures; une nouvelle vision de l’artiste en tant que cr\u00e9ateur supr\u00eamement individuel, dont l’esprit cr\u00e9atif est plus important que le strict\u00a0respect<\/a> des r\u00e8gles formelles et des proc\u00e9dures traditionnelles. Dans ce mouvement, l’accent est mis sur l’imagination en tant que passerelle vers des exp\u00e9riences transcendantales<\/a>\u00a0et la v\u00e9rit\u00e9 spirituelle\u00a0; un int\u00e9r\u00eat obsessionnel pour la culture populaire, les origines culturelles<\/a> nationales et ethniques, et l’\u00e8re\u00a0m\u00e9di\u00e9vale\u00a0<\/a>\u00a0; et enfin une\u00a0pr\u00e9dilection<\/a>\u00a0pour l’exotique, le lointain, le myst\u00e9rieux, l’\u00e9trange, l’occulte, le monstrueux et m\u00eame le satanique.<\/p>\n

L’individu \u00e9tait pris\u00e9, mais on sentait aussi que les gens avaient une obligation envers leurs semblables : l’engagement personnel envers le groupe \u00e9tait donc important.<\/p>\n

Aujourd’hui, le romantisme peut \u00eatre trouv\u00e9 dans un large \u00e9ventail de films, de t\u00e9l\u00e9vision, de litt\u00e9rature, de musique et d’art. Qu’il s’agisse d’un accent sur le pouvoir \u00e9ternel de la nature ou d’une r\u00e9action visc\u00e9rale du public \u00e0 une oeuvre, la soci\u00e9t\u00e9 contemporaine est pleine de romantisme. Notre concentration culturelle sur l’individualisme, la libert\u00e9 et le d\u00e9sir de prot\u00e9ger la nature ainsi que les fantasmes sur les p\u00e9riodes historiques viennent du romantisme !<\/p>\n

Le romantisme a influenc\u00e9 des id\u00e9ologies politiques r\u00e9centes, invitant par exemple \u00e0 s’engager pour la cause des pauvres et des opprim\u00e9s et avec des id\u00e9aux d’\u00e9mancipation sociale et de progr\u00e8s.\u00a0<\/p>\n

9. R\u00e9alisme (1848-1900)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Realism-Courbet.jpeg_31_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le r\u00e9alisme est un genre d’art qui a commenc\u00e9 en France apr\u00e8s la R\u00e9volution Fran\u00e7aise de 1848. Refusant clairement le romantisme, le style dominant qui l’avait pr\u00e9c\u00e9d\u00e9, les peintres r\u00e9alistes se sont concentr\u00e9s sur des sc\u00e8nes de personnes contemporaines et de la vie quotidienne. Ce qui peut sembler normal maintenant \u00e9tait r\u00e9volutionnaire apr\u00e8s des si\u00e8cles de peinture repr\u00e9sentant des sc\u00e8nes exotiques de la mythologie et de la Bible, ou cr\u00e9ant des portraits de la noblesse et du clerg\u00e9. Le r\u00e9alisme est le r\u00e9sultat de multiples \u00e9v\u00e9nements : le mouvement anti-romantique en Allemagne, la mont\u00e9e du journalisme et l’av\u00e8nement de la photographie. L’un des leaders les plus influents du mouvement r\u00e9aliste est\u00a0Gustave Courbet<\/a>, un artiste fran\u00e7ais engag\u00e9 \u00e0 ne peindre que ce il pouvait voir physiquement.<\/p>\n

10. Impressionnisme (1865-1895)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Impressionism-Important-Art-Trends-Blog-1024x489_23_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

L’Impressionnisme<\/a>\u00a0\u00e9tait un mouvement artistique radical qui a commenc\u00e9 \u00e0 la fin des ann\u00e9es 1800, centr\u00e9 principalement autour des peintres parisiens. Les Impressionnistes se sont rebell\u00e9s contre les sujets classiques et ont embrass\u00e9 la modernit\u00e9, d\u00e9sireux de cr\u00e9er des \u0153uvres qui refl\u00e8tent le monde dans lequel ils vivaient. Les unir \u00e9tait un focus sur la fa\u00e7on dont la lumi\u00e8re pouvait d\u00e9finir un moment dans le temps, la couleur fournissant une d\u00e9finition au lieu des lignes noires. Les impressionnistes ont mis l’accent sur la pratique de la peinture en plein air, ou de la peinture \u00e0 l’ext\u00e9rieur. Initialement tourn\u00e9 en d\u00e9rision par les critiques, l’impressionnisme a depuis \u00e9t\u00e9 adopt\u00e9 comme l’un des styles artistiques les plus populaires et les plus influents de l’histoire occidentale.<\/p>\n

L’Impressionnisme a \u00e9t\u00e9 consid\u00e9r\u00e9 comme la toute premi\u00e8re forme de peinture moderne. Cela a commenc\u00e9 en France comme un art formel qui s’est ensuite \u00e9tendu \u00e0 d’autres parties du monde. Il s’appuie sur la pr\u00e9sence de lumi\u00e8re et de coups de pinceaux pour montrer la nature d’un sujet. \u00c9vident entre les ann\u00e9es 1860 et 1870. Il \u00e9tait associ\u00e9 \u00e0 des sensations de croquis rapides et suspendues. Les impressionnistes pouvaient centrer leurs \u0153uvres sur le monde moderne. Ils d\u00e9pendaient de ce qui s’\u00e9tait pass\u00e9 plut\u00f4t que de questions historiques ou religieuses. Un artiste fran\u00e7ais, du nom de Claude Monet, a rendu populaire l’Impressionnisme.<\/p>\n

Il s’int\u00e9ressa particuli\u00e8rement au passage du temps dans sa repr\u00e9sentation de la lumi\u00e8re. Sa s\u00e9rie de peintures capturant la cath\u00e9drale de Rouen \u00e0 diff\u00e9rents moments de l’ann\u00e9e et de la journ\u00e9e offre des exemples clairs de ses id\u00e9es sur la fa\u00e7on dont un sujet peut \u00eatre transform\u00e9 par les propri\u00e9t\u00e9s qui l’entourent. Son plus c\u00e9l\u00e8bre tableau de cette s\u00e9rie est la cath\u00e9drale de Rouen de 1894 : La fa\u00e7ade au coucher du soleil. Monet a \u00e9tendu sa pratique impressionniste tout au long de sa vie, culminant dans ses multiples \u00e9tudes de l’\u00e9tang aux n\u00e9nuphars, r\u00e9alis\u00e9es de 1898 \u00e0 1926, dont les derni\u00e8res \u0153uvres de la s\u00e9rie (r\u00e9alis\u00e9es juste avant sa mort) atteignent une qualit\u00e9 presque abstraite.<\/p>\n

Le post-impressionnisme \u00e9tait plut\u00f4t une r\u00e9action contre l’impressionnisme, qu’il jugeait trop \u00e9touffant. Les post-Impressionnistes ont choisi de d\u00e9peindre non seulement ce qui \u00e9tait tangible, en adoptant une approche plus symbolique et \u00e9motive de leur sujet, en particulier dans l’utilisation des couleurs, ce qui n’\u00e9tait pas n\u00e9cessaire pour exprimer le r\u00e9alisme. Dans le post-impressionnisme, les \u0153uvres d’art ont mis davantage l’accent sur les couleurs et moins sur la lumi\u00e8re.<\/p>\n

11. Pointillisme (1880-1891)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Pointillism-Paul-Signac-33-major-Art-Movements-Ben-Heine-Blog-copy_28_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

\u00c9galement connu sous le nom d'\u00a0\u00bbart par points\u00a0\u00bb,\u00a0Le pointillisme\u00a0<\/a>est une technique de peinture mise au point par les artistes fran\u00e7ais Georges Seurat et Paul Signac. Le duo s’est \u00e9loign\u00e9 de ses amis impressionnistes pour transformer leurs petites touches de peinture et leurs traits en points de couleur distincts qui, lorsqu’ils sont appliqu\u00e9s en masse, forment des images coh\u00e9rentes, d\u00e9taill\u00e9es et dimensionnelles (un peu comme nos pixels modernes, si vous voulez).<\/p>\n

Le pointillisme impliquait l’application de peinture en points soigneusement plac\u00e9s de couleur pure et non m\u00e9lang\u00e9e. Selon Seurat et Signac, ceux-ci seraient m\u00e9lang\u00e9s par l’\u0153il du spectateur pour cr\u00e9er une image plus frappante qu’une oeuvre dont les couleurs ont \u00e9t\u00e9 m\u00e9lang\u00e9es de mani\u00e8re conventionnelle sur une palette.<\/p>\n

Vincent van Gogh, qui a connu Seurat et Signac lors de son s\u00e9jour \u00e0 Paris de 1886 \u00e0 1888, a eu une br\u00e8ve association avec le pointillisme. Certes, certaines de ses peintures de cette p\u00e9riode parisienne \u2013 comme l’Autoportrait de 1887 \u2013 montrent des traces de cette influence. (Apr\u00e8s une visite \u00e0 l’atelier de Seurat un jour, il a affirm\u00e9 avoir v\u00e9cu une \u00ab\u00a0r\u00e9v\u00e9lation de la couleur\u00a0\u00bb.) Il est g\u00e9n\u00e9ralement admis, cependant, que van Gogh \u00e9tait un esprit trop agit\u00e9 pour un style aussi technique que le pointillisme.<\/p>\n

Le pointillisme a eu un impact important sur les mouvements artistiques ult\u00e9rieurs qui ont \u00e9galement donn\u00e9 leurs noms en fonction des formes utilis\u00e9es dans le mouvement artistique tels que le Cubisme ou le Digital Circlism.<\/p>\n

12. Symbolisme (1880-1910)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Impressionism-Art-Movement_22_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le Symbolisme \u00e9tait un mouvement artistique de la fin du XIXe si\u00e8cle d’origine fran\u00e7aise, russe et belge trouvant sa naissance dans la po\u00e9sie et d’autres arts cherchant \u00e0 repr\u00e9senter symboliquement des v\u00e9rit\u00e9s absolues \u00e0 travers des images m\u00e9taphoriques et un langage principalement en r\u00e9action contre le naturalisme et le r\u00e9alisme. En litt\u00e9rature, le style trouve son origine avec la publication en 1857 des Fleurs du Mal de Charles Baudelaire. Les \u0153uvres d’Edgar Allan Poe, que Baudelaire admirait beaucoup et traduisaient en fran\u00e7ais, ont \u00e9t\u00e9 une influence significative. L’esth\u00e9tique a \u00e9t\u00e9 d\u00e9velopp\u00e9e par St\u00e9phane Mallarm\u00e9 et Paul Verlaine au cours des ann\u00e9es 1860 et 1870. Dans les ann\u00e9es 1880, l’esth\u00e9tique s’articule autour d’une s\u00e9rie de manifestes et attire une g\u00e9n\u00e9ration d’\u00e9crivains. Le terme \u00ab\u00a0symboliste\u00a0\u00bb a \u00e9t\u00e9 appliqu\u00e9 pour la premi\u00e8re fois par le critique Jean Mor\u00e9as, qui a invent\u00e9 le terme pour distinguer les symbolistes des d\u00e9cadents apparent\u00e9s de la litt\u00e9rature et de l’art.<\/p>\n

En tant que forme d’art et moyen de transmission des d\u00e9clarations philosophiques, le symbolisme a eu une grande influence dans la culture. Il y a litt\u00e9ralement des milliers de symboles conscients et inconscients utilis\u00e9s chaque jour par tout le monde ; notre connaissance de ces symboles et de leurs origines n’est limit\u00e9e que par notre d\u00e9sir de comprendre d’o\u00f9 ils viennent. Par exemple, de nombreux symboles utilis\u00e9s dans le gouvernement des \u00c9tats-Unis sont issus du symbolisme ma\u00e7onnique. La pyramide et l’\u0153il qui voit tout sur le papier-monnaie en est un bon exemple ; nulle part dans la mythologie des \u00c9tats-Unis il n’y a de pyramide, ni d’\u0153il autre que celui de Dieu. En fait, la pyramide est cens\u00e9e symboliser le pouvoir et la force, comme l’a d\u00e9clar\u00e9 explicitement Charles Thomson, le designer.<\/p>\n

Enfin, un bon exemple de symbolisme dans le monde moderne est l’omnipr\u00e9sence des marques de commerce, les insignes qui identifient instantan\u00e9ment les personnes, les lieux et les choses. \u00c9tant donn\u00e9 que l’insigne est destin\u00e9 \u00e0 repr\u00e9senter pleinement son propri\u00e9taire – les \u00ab\u00a0Golden Arches\u00a0\u00bb signifient MacDonald’s, le \u00ab\u00a0Swoosh\u00a0\u00bb signifie Nike – nous sommes form\u00e9s pour reconna\u00eetre tous les aspects du propri\u00e9taire dans la marque d’identification.<\/p>\n

13. Art Nouveau (1890-1910)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Art-Nouveau-Mucha-33-major-Art-Movements-Ben-Heine-Blog_4_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Il s’agit d’un style<\/a> international d’art, d’architecture et de\u00a0art appliqu\u00e9<\/a>, en particulier les\u00a0arts d\u00e9coratifs<\/a>, connus dans diff\u00e9rentes langues par diff\u00e9rents noms\u00a0:\u00a0Jugendstil<\/a>\u00a0en allemand,\u00a0 Stile Liberty<\/a>\u00a0en italien,\u00a0Modernisme catal\u00e0<\/a>\u00a0en catalan, etc. En anglais, il est \u00e9galement connu sous le nom de\u00a0Style moderne<\/a>. Le style \u00e9tait le plus populaire entre 1890 et 1910. C’\u00e9tait une r\u00e9action contre l’art acad\u00e9mique<\/a>,\u00a0\u00e9clectisme<\/a>\u00a0et\u00a0historicisme<\/a>\u00a0du XIXe\u00a0si\u00e8cle architecture et d\u00e9coration. Il s’inspire souvent de formes naturelles telles que les courbes sinueuses des plantes et des fleurs. D’autres caract\u00e9ristiques de l’Art nouveau \u00e9taient un sens du dynamisme et du mouvement, souvent donn\u00e9 par l’asym\u00e9trie ou les\u00a0lignes de coup de fouet<\/a>, et utilisation de mat\u00e9riaux modernes, en particulier le fer, le verre, la c\u00e9ramique et plus tard le b\u00e9ton, pour cr\u00e9er des formes inhabituelles et de plus grands espaces ouverts. des lignes de coup de fouet et l’utilisation de mat\u00e9riaux modernes, en particulier le fer, le verre, la c\u00e9ramique et plus tard le b\u00e9ton, pour cr\u00e9er des formes inhabituelles et de plus grands espaces ouverts. L’un des objectifs majeurs de l’Art Nouveau \u00e9tait de briser la distinction traditionnelle entre les beaux-arts (en particulier la peinture et la sculpture) et les arts appliqu\u00e9s. Il a \u00e9t\u00e9 le plus largement utilis\u00e9 dans la d\u00e9coration d’int\u00e9rieur, les arts graphiques, l’ameublement, l’art du verre, les textiles, la c\u00e9ramique, la bijouterie et le travail du m\u00e9tal.<\/p>\n

De Belgique et de France, il s’est r\u00e9pandu dans le reste de l’Europe, prenant des noms et des caract\u00e9ristiques diff\u00e9rents dans chaque pays et il a eu une influence notable sur tous les mouvements artistiques suivants.<\/p>\n

14. Fauvisme (1905-1910)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Fauvism-Famous-art-mouvements.jpeg-copy-1_9_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Ce fut le premier projet du genre \u00e0 r\u00e9ussir et \u00e0 prosp\u00e9rer au 20e si\u00e8cle. Henry Matisse, qui a con\u00e7u le projet, a ajout\u00e9 un peu d’\u00e9motion \u00e0 ses\u00a0peintures<\/a>. Il a ajout\u00e9 des coups de pinceau et des couleurs vives \u00e0 ses \u0153uvres qui sont devenues plus attrayantes pour le public. Les peintures des Fauves se caract\u00e9risaient par un travail au pinceau apparemment sauvage et des couleurs stridentes, tandis que leur sujet pr\u00e9sentait un degr\u00e9 \u00e9lev\u00e9 de simplification et d’abstraction. <\/a>Le fauvisme peut \u00eatre class\u00e9 comme un d\u00e9veloppement extr\u00eame du style de\u00a0Van Gogh<\/a>, en quelque sorte\u00a0du\u00a0Postimpressionism<\/a>\u00a0fusionn\u00e9 avec le Pointillisme<\/a>\u00a0de\u00a0Seurat<\/a>\u00a0et d’autres\u00a0N\u00e9o-impressionniste<\/a>\u00a0peintres, en particulier\u00a0Paul Signac<\/a>. Les autres influences cl\u00e9s ont \u00e9t\u00e9\u00a0Paul C\u00e9zanne<\/a>\u00a0et\u00a0Paul Gauguin<\/a>, dont l’emploi de zones de couleurs satur\u00e9es, notamment dans les peintures de Tahiti, a fortement influenc\u00e9 le travail de Derain \u00e0\u00a0Collioure<\/a>\u00a0en 1905. Le Fauvisme est encore pr\u00e9sent de nos jours \u00e0 travers les oeuvres d’artistes qui ne suivent aucune r\u00e8gle acad\u00e9mique.<\/p>\n

15. Expressionnisme (1905-1925)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Expressionism-33-major-Art-Movements-Ben-Heine-Blog-1_8_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

L’expressionnisme<\/a> est davantage consid\u00e9r\u00e9 comme une tendance internationale qu’un mouvement artistique coh\u00e9rent, particuli\u00e8rement influent au d\u00e9but du vingti\u00e8me si\u00e8cle. Il couvrait divers domaines : art, litt\u00e9rature, musique, th\u00e9\u00e2tre et architecture. Les artistes expressionnistes ont cherch\u00e9 \u00e0 exprimer une exp\u00e9rience \u00e9motionnelle plut\u00f4t que la r\u00e9alit\u00e9 physique. Les peintures expressionnistes c\u00e9l\u00e8bres sont The Scream d’Edvard Munch, Der Blaue Reiter de Wassily Kandinsky et La femme assise aux jambes relev\u00e9es d’Egon Schiele. L’expressionnisme est un terme complexe et vaste qui a signifi\u00e9 diff\u00e9rentes choses \u00e0 diff\u00e9rents moments.<\/p>\n

Les gens, les lieux et les objets sont d\u00e9form\u00e9s ou exag\u00e9r\u00e9s. M\u00eame la nature est parfois d\u00e9form\u00e9e. Les sc\u00e8nes montrent un monde moderne hostile et ali\u00e9nant. La sensation sinistre est amplifi\u00e9e par des coups de pinceau agressifs et bruts.<\/p>\n

L’expressionnisme allemand \u00e9tait l’un des nombreux mouvements cr\u00e9atifs en Allemagne avant la Premi\u00e8re Guerre mondiale, influen\u00e7ant l’architecture, la peinture, l’imprimerie et le cin\u00e9ma. Les films expressionnistes utilisaient souvent des d\u00e9cors follement irr\u00e9alistes et g\u00e9om\u00e9triquement absurdes avec des motifs peints sur les murs et les sols pour repr\u00e9senter les lumi\u00e8res et les ombres. Les intrigues de ces films traitaient souvent de folie, de folie et de trahison ainsi que d’autres sujets consid\u00e9r\u00e9s comme intellectuels (par opposition aux sujets non intellectuels d’action et de romance). L’influence de l’expressionnisme allemand se retrouve \u00e9galement dans le cin\u00e9ma am\u00e9ricain.De nombreux r\u00e9alisateurs allemands ont fui en Am\u00e9rique pour \u00e9chapper aux nazis pendant la Seconde Guerre mondiale et ont trouv\u00e9 leur chemin vers Hollywood. Ici, les genres d’horreur et de film noir ont re\u00e7u le plus grand impact.\u00a0<\/p>\n

Dans la culture cin\u00e9matographique moderne, l’expressionnisme allemand est clairement visible dans le travail du sc\u00e9nariste\/r\u00e9alisateur Tim Burton, connu pour ses films fous, excentriques et bizarres. Batman Returns est d’ailleurs cit\u00e9 comme une tentative moderne de capturer l’essence de l’expressionnisme allemand. Vous pouvez le constater par vous-m\u00eame en cliquant ici. Pendant que vous regardez, faites tr\u00e8s attention \u00e0 l’utilisation de la lumi\u00e8re, mais gardez \u00e9galement un \u0153il sur certains costumes et d\u00e9cors totalement irr\u00e9alistes ! L’expressionnisme allemand est \u00e9galement visible dans le film de 1990 de Burton, Edward Scissorhands, o\u00f9 le personnage de Johnny Depp ressemble au jumeau perdu depuis longtemps de Cesare du Dr Caligari. Dans son long m\u00e9trage d’animation de 1993 The Nightmare Before Christmas, les d\u00e9cors anim\u00e9s refl\u00e8tent grandement les d\u00e9cors de Caligari avec leurs rebondissements, leurs virages et leurs angles abrupts.<\/p>\n

16. Cubisme (1908-1920)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"pablo-picasso-guernica-cubism-art-1024x464_27_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le cubisme est un mouvement artistique d’avant-garde du d\u00e9but du 20e si\u00e8cle qui a r\u00e9volutionn\u00e9 la peinture et la sculpture europ\u00e9ennes et a inspir\u00e9 des mouvements connexes dans la musique, la litt\u00e9rature et l’architecture. Dans l’art cubiste, les objets sont analys\u00e9s, d\u00e9compos\u00e9s et r\u00e9assembl\u00e9s sous une forme abstraite, au lieu de repr\u00e9senter les objets \u00e0 partir d’un seul point de vue, l’artiste d\u00e9peint le sujet \u00e0 partir d’une multitude de points de vue pour repr\u00e9senter le sujet dans un contexte plus large. Le cubisme est tout simplement consid\u00e9r\u00e9 comme le mouvement artistique le plus influent du 20e si\u00e8cle.<\/p>\n

En France, des ramifications du cubisme se sont d\u00e9velopp\u00e9es, notamment l’orphisme, l’art abstrait et plus tard le purisme. L’impact du cubisme \u00e9tait de grande envergure et de grande envergure. En France et dans d’autres pays, le Futurisme, le Supr\u00e9matisme, le Dadaisme, le Constructivisme, le Vorticisme, De Stijl et l’Art D\u00e9co se sont d\u00e9velopp\u00e9s en r\u00e9ponse au Cubisme. Les premi\u00e8res peintures futuristes ont en commun avec le cubisme la fusion du pass\u00e9 et du pr\u00e9sent, la repr\u00e9sentation de diff\u00e9rentes vues du sujet photographi\u00e9 en m\u00eame temps, \u00e9galement appel\u00e9e perspective multiple, simultan\u00e9it\u00e9 ou multiplicit\u00e9, tandis que le constructivisme a \u00e9t\u00e9 influenc\u00e9 par la technique de construction de la sculpture de Picasso \u00e0 partir d’\u00e9l\u00e9ments s\u00e9par\u00e9s.<\/p>\n

D’autres points communs entre ces mouvements disparates incluent le facettage ou la simplification des formes g\u00e9om\u00e9triques et l’association de la m\u00e9canisation et de la vie moderne. L’influence du cubisme s’est \u00e9tendue \u00e0 d’autres domaines artistiques, en dehors de la peinture et de la sculpture. En litt\u00e9rature, les \u0153uvres \u00e9crites de Gertrude Stein emploient des r\u00e9p\u00e9titions et des phrases r\u00e9p\u00e9titives comme blocs de construction \u00e0 la fois dans des passages et des chapitres entiers. La plupart des \u0153uvres importantes de Stein utilisent cette technique, y compris le roman The Making of Americans (1906-1908). Non seulement ils ont \u00e9t\u00e9 les premiers m\u00e9c\u00e8nes importants du cubisme, mais Gertrude Stein et son fr\u00e8re Leo ont \u00e9galement eu une influence importante sur le cubisme. Picasso \u00e0 son tour a eu une influence importante sur l’\u00e9criture de Stein.<\/p>\n

Dans le domaine de la fiction am\u00e9ricaine, le roman de 1930 de William Faulkner As I Lay Dying peut \u00eatre lu comme une interaction avec le mode cubiste. Le roman pr\u00e9sente des r\u00e9cits des diverses exp\u00e9riences de 15 personnages qui, pris ensemble, produisent un seul corps coh\u00e9rent. Les po\u00e8tes g\u00e9n\u00e9ralement associ\u00e9s au cubisme sont Guillaume Apollinaire, Blaise Cendrars, Jean Cocteau, Max Jacob, Andr\u00e9 Salmon et Pierre Reverdy. Comme l’explique le po\u00e8te am\u00e9ricain Kenneth Rexroth, le cubisme dans la po\u00e9sie \u00ab est la dissociation et la recombinaison consciente et d\u00e9lib\u00e9r\u00e9e d’\u00e9l\u00e9ments en une nouvelle entit\u00e9 artistique rendue autonome par son architecture rigoureuse.<\/p>\n

\u00a0<\/p>\n

17. Constructivisme (1914-1930)<\/h3>\n

\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\"Constructivism-Art-Movement-Animation-by-Rob-King-.jpeg_6_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

D\u00e9velopp\u00e9 par l’avant-garde russe vers 1914, le Constructivisme est une branche de l’art abstrait, rejetant l’id\u00e9e de \u00ab l’art pour l’art \u00bb au profit de l’art en tant que pratique orient\u00e9e vers des fins sociales. Le travail du mouvement \u00e9tait principalement g\u00e9om\u00e9trique et compos\u00e9 avec pr\u00e9cision, parfois \u00e0 l’aide de math\u00e9matiques et d’outils de mesure.<\/p>\n

18. Futurisme (1909-1918)<\/h3>\n

\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\"Futurism-Art_11_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a>
\n\t\tC’\u00e9tait un mouvement controvers\u00e9 qui, \u00e0 un moment donn\u00e9, a essay\u00e9 de comparer les \u00eatres humains \u00e0 l’usinage. Son objectif principal \u00e9tait d’adopter la vitesse et l’innovation dans la soci\u00e9t\u00e9. Dans ce mouvement, Filippo Marinetti a propos\u00e9 un manifeste sans limitation \u00e0 l’art. Il y avait des architectes, des peintres et des \u00e9crivains. Les peintures dessin\u00e9es \u00e0 cette \u00e9poque repr\u00e9sentaient des automobiles, des trains et des animaux.\t\t<\/p>\n

19. Supr\u00e9matisme (1913-1918)<\/h3>\n

\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image-8-Suprematism-Art-Malevich-33-major-Art-Movements-and-their-influence-on-the-Art-World-Pencil-Vs-Camera-73-Ben-Heine-Art-1024x576_15_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le Supr\u00e9matisme<\/a> est un mouvement artistique ax\u00e9 sur des formes g\u00e9om\u00e9triques de base, telles que des cercles, des carr\u00e9s, des lignes et des rectangles, peints dans un nombre limit\u00e9 gamme de couleurs. Il a \u00e9t\u00e9 fond\u00e9 par Kazimir Malevitch en Russie et annonc\u00e9 lors de la derni\u00e8re exposition futuriste de peintures 0,10 de Malevitch en 1915 \u00e0 Saint-P\u00e9tersbourg o\u00f9 il a, avec 13 autres artistes, expos\u00e9 36 \u0153uvres dans un style similaire. Le terme supr\u00e9matisme fait r\u00e9f\u00e9rence \u00e0 un art abstrait bas\u00e9 sur \u00ab\u00a0la supr\u00e9matie du sentiment artistique pur\u00a0\u00bb plut\u00f4t que sur la repr\u00e9sentation visuelle des objets.<\/p>\n

Les premiers indices en ont \u00e9merg\u00e9 dans les croquis d’arri\u00e8re-plan et de costumes que Kazimir Malevich a con\u00e7us en 1913 pour Victory Over the Sun<\/i>, un\u00a0Op\u00e9ra futuriste<\/a> jou\u00e9 \u00e0 Saint-P\u00e9tersbourg. Alors que les dessins ont toujours une relation claire avec le Cubo-Futurisme (un mouvement artistique russe dans lequel Malevitch \u00e9tait fortement impliqu\u00e9), les formes simples qui fournissent une base visuelle pour le Supr\u00e9matisme apparaissent \u00e0 plusieurs reprises.<\/p>\n

20. Dada\u00efsme (1916-1924)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"dada-gram-artgorgeous-1024x583_7_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Pendant la Premi\u00e8re Guerre mondiale, d’innombrables artistes, \u00e9crivains et intellectuels oppos\u00e9s \u00e0 la guerre se sont r\u00e9fugi\u00e9s en Suisse. Zurich, en particulier, \u00e9tait une plaque tournante pour les personnes en exil, et c’est ici qu’Hugo Ball et Emmy Hemmings ont ouvert le Cabaret Voltaire le 5 f\u00e9vrier 1916. Le Cabaret \u00e9tait un lieu de rencontre pour les artistes d’avant-garde les plus radicaux. A mi-chemin entre une bo\u00eete de nuit et un centre artistique, les artistes pouvaient y exposer leur travail entre po\u00e9sie, musique et danse d’avant-garde. Hans (Jean) Arp, Tristan Tzara, Marcel Janco et Richard Huelsenbeck ont \u00e9t\u00e9 parmi les premiers contributeurs du Cabaret Voltaire. Alors que la guerre faisait rage, leur art et leurs performances sont devenus de plus en plus exp\u00e9rimentaux, dissidents et anarchiques. Ensemble, ils ont protest\u00e9 contre l’inutilit\u00e9 et les horreurs de la guerre sous le cri de guerre de DADA.<\/p>\n

21. Surr\u00e9alisme (1917-1950)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le Surr\u00e9alisme \u00e9tait un\u00a0mouvement culturel<\/a>\u00a0qui s’est d\u00e9velopp\u00e9 en Europe \u00e0 la suite de la\u00a0Premi\u00e8re Guerre mondiale<\/a>\u00a0et a \u00e9t\u00e9 largement influenc\u00e9 par\u00a0Dada<\/a>. Le mouvement est surtout connu pour ses\u00a0\u0153uvres d’art visuelles<\/a>\u00a0et\u00a0\u00e9crits<\/a>\u00a0et la\u00a0juxtaposition<\/a>\u00a0de r\u00e9alit\u00e9s lointaines pour activer l’inconscient \u00e0 travers l’imagerie. Les artistes ont peint des sc\u00e8nes troublantes et illogiques, parfois avec une\u00a0pr\u00e9cision photographique<\/a>, cr\u00e9ant d’\u00e9tranges cr\u00e9atures \u00e0 partir d’objets du quotidien et d\u00e9veloppant des techniques de peinture qui ont permis de inconscient<\/a>\u00a0pour s’exprimer. Son objectif \u00e9tait, selon le leader\u00a0Andr\u00e9 Breton<\/a>, de \u00ab\u00a0r\u00e9soudre les conditions auparavant contradictoires du r\u00eave et de la r\u00e9alit\u00e9 en une r\u00e9alit\u00e9 absolue, une super-r\u00e9alit\u00e9\u00a0\u00bb, ou\u00a0surr\u00e9alit\u00e9.<\/i><\/p>\n

Les \u0153uvres du Surr\u00e9alisme provoquent\u00a0la surprise<\/a>, l’inattendu, la\u00a0juxtapositions<\/a>\u00a0et le\u00a0non sequitur<\/i><\/a>. Cependant, de nombreux artistes et \u00e9crivains surr\u00e9alistes consid\u00e8rent leur travail comme une expression du mouvement philosophique d’abord et avant tout (par exemple, de \u00ab\u00a0l’automatisme psychique pur\u00a0\u00bb dont parle Breton dans le premier Manifeste surr\u00e9aliste), les \u0153uvres elles-m\u00eames \u00e9tant secondaires, c’est-\u00e0-dire des exp\u00e9rimentations surr\u00e9alistes. Le leader Breton a \u00e9t\u00e9 explicite dans son affirmation que le surr\u00e9alisme \u00e9tait avant tout un mouvement r\u00e9volutionnaire. \u00c0 l’\u00e9poque, le mouvement \u00e9tait associ\u00e9 \u00e0 des causes politiques telles que le communisme<\/a>\u00a0et l’anarchisme<\/a>.<\/p>\n

Le mouvement artistique du Surr\u00e9alisme a eu un grand impact dans l’histoire de l’art, la litt\u00e9rature, la culture et s’est m\u00eame \u00e9tendu \u00e0 la politique. Le surr\u00e9alisme est un acte cr\u00e9atif d’effort vers la lib\u00e9ration de l’imagination. C’est aussi dynamique que subtil ; Le surr\u00e9alisme est toujours vivant et en pleine croissance jusqu’\u00e0 aujourd’hui. De nombreux artistes du monde entier sont influenc\u00e9s par les styles, les id\u00e9es et les techniques du Surr\u00e9alisme. Le Surr\u00e9alisme a enseign\u00e9 au monde \u00e0 voir l’art non seulement visuellement et litt\u00e9ralement ; mais aussi de l’appr\u00e9cier \u00e0 un niveau subconscient. Aujourd’hui, le surr\u00e9alisme est une forme d’art famili\u00e8re qui continue de cro\u00eetre \u00e0 l’\u00e9chelle mondiale. Il est facile pour les artistes de montrer leur cr\u00e9ativit\u00e9 \u00e0 travers le surr\u00e9alisme, car le style leur offre plus de libert\u00e9 pour exprimer leurs sentiments et leurs pens\u00e9es \u00e0 travers la toile. L’art surr\u00e9aliste peut \u00eatre r\u00eaveur, graveleux, triste, optimiste ou joyeux.<\/p>\n

\u00a0<\/p>\n

22. Art Cin\u00e9tique (1920-1960)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image-9-Kinetic-Art-Malevich-33-major-Art-Movements-and-their-influence-on-the-Art-World-Pencil-Vs-Camera-73-Ben-Heine-Art_16_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

L’art cin\u00e9tique d\u00e9rive du mot grec \u00ab\u00a0kinesis\u00a0\u00bb, qui signifie \u00ab\u00a0mouvement\u00a0\u00bb. Par cons\u00e9quent, l’art cin\u00e9tique fait r\u00e9f\u00e9rence \u00e0 des formes d’art qui contiennent du mouvement. De mani\u00e8re g\u00e9n\u00e9rale, les \u0153uvres d’art cin\u00e9tiques sont le plus souvent des sculptures tridimensionnelles qui se d\u00e9placent naturellement (par exemple, aliment\u00e9es par le vent) ou qui sont actionn\u00e9es par une machine ou par l’utilisateur. Le mouvement artistique apparemment contemporain a en fait ses racines dans l’impressionnisme, lorsque les artistes ont commenc\u00e9 \u00e0 essayer d’exprimer le mouvement dans leur art. Au d\u00e9but des ann\u00e9es 1900, les artistes ont commenc\u00e9 \u00e0 exp\u00e9rimenter davantage avec l’art en mouvement, avec des machines sculpturales et des mobiles faisant avancer l’art cin\u00e9tique. Les artistes russes Vladimir Tatlin et Alexander Rodchenko ont \u00e9t\u00e9 les premiers cr\u00e9ateurs de mobiles sculpturaux, quelque chose qui sera plus tard perfectionn\u00e9 par Alexander Calder. En termes contemporains, l’art cin\u00e9tique englobe des sculptures et des installations qui ont le mouvement comme principale consid\u00e9ration. L’art cin\u00e9tique est un mouvement artistique qui propose des \u0153uvres contenant des pi\u00e8ces mobiles. Le mouvement peut \u00eatre produit par le vent, le soleil, un moteur ou le spectateur. L’art cin\u00e9tique englobe une grande vari\u00e9t\u00e9 de techniques et de styles qui se chevauchent.<\/p>\n

23. Expressionnisme Abstrait (ann\u00e9es 1940-1950)<\/h3>\n

\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\"Abstract-Expressionism_2_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

L’expressionnisme abstrait est un mouvement artistique post-Seconde Guerre mondiale dans la peinture am\u00e9ricaine, d\u00e9velopp\u00e9 \u00e0 New York dans les ann\u00e9es 1940. C’est le premier mouvement sp\u00e9cifiquement am\u00e9ricain \u00e0 acqu\u00e9rir une influence internationale et \u00e0 placer New York au centre du monde de l’art occidental, un r\u00f4le autrefois occup\u00e9 par Paris. Bien que le terme \u00ab expressionnisme abstrait \u00bb ait \u00e9t\u00e9 appliqu\u00e9 pour la premi\u00e8re fois \u00e0 l’art am\u00e9ricain en 1946 par le critique d’art Robert Coates, il avait \u00e9t\u00e9 utilis\u00e9 pour la premi\u00e8re fois en Allemagne en 1919 dans le magazine Der Sturm, \u00e0 propos de l’expressionnisme allemand. Aux \u00c9tats-Unis, Alfred Barr a \u00e9t\u00e9 le premier \u00e0 utiliser ce terme en 1929 \u00e0 propos d’\u0153uvres de Wassily Kandinsky.<\/p>\n

24. Art D\u00e9co (1920-1935)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"0-1024x256_1_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

\u00c9mergeant de l’Art nouveau dans les ann\u00e9es 1920, le mouvement Art d\u00e9co a tent\u00e9 d’embellir des constructions fonctionnelles produites en s\u00e9rie telles que des horloges, des voitures et des b\u00e2timents. Il a atteint le sommet de sa popularit\u00e9 entre les deux guerres mondiales et a cherch\u00e9 \u00e0 repr\u00e9senter le luxe, le glamour et le progr\u00e8s technologique et social.<\/p>\n

25. Pop Art (1950-1960)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Pop-Art-Famous-Art-Movements-and-their-influence-today-Ben-Heine-Blog-1024x597_29_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le Pop Art est un mouvement artistique majeur qui a \u00e9merg\u00e9 au Royaume-Uni et aux \u00c9tats-Unis du milieu \u00e0 la fin des ann\u00e9es 1950. Le mouvement est n\u00e9 en contestation des traditions bourgeoises des beaux-arts en incluant des images de la culture populaire et de masse, telles que la publicit\u00e9, les bandes dessin\u00e9es et les objets banals produits en s\u00e9rie. L’un de ses objectifs est d’utiliser des images de la culture populaire (par opposition \u00e0 \u00e9litiste) dans l’art, en mettant l’accent sur les \u00e9l\u00e9ments banals ou kitsch de toute culture, le plus souvent par l’utilisation de l’ironie. Elle est \u00e9galement associ\u00e9e \u00e0 l’utilisation par les artistes de moyens m\u00e9caniques de reproduction ou de techniques de rendu. Dans le Pop Art, le mat\u00e9riel est parfois visuellement retir\u00e9 de son contexte connu, isol\u00e9 ou combin\u00e9 avec du mat\u00e9riel sans rapport. L’un de ses plus grands repr\u00e9sentants est Andy Warhol.\u00a0Le Pop Art est toujours pr\u00e9sent dans l’art industriel d’aujourd’hui et aussi dans le Street Art.<\/p>\n

26. Photor\u00e9alisme (1960-Aujourd’hui)<\/h3>\n

\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image-10-Photorealism-Art-Malevich-33-major-Art-Movements-and-their-influence-on-the-Art-World-Pencil-Vs-Camera-73-Ben-Heine-Art-1024x683_17_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le Photor\u00e9alisme est un style d’art visuel qui concerne la capacit\u00e9 technique \u00e0 \u00e9pater les t\u00e9l\u00e9spectateurs. Principalement un mouvement artistique am\u00e9ricain, il a pris de l’ampleur \u00e0 la fin des ann\u00e9es 1960 et dans les ann\u00e9es 1970 en r\u00e9action contre l’expressionnisme abstrait. Ici, les artistes se pr\u00e9occupaient le plus de peindre et de reproduire une photographie au mieux de leurs capacit\u00e9s, en planifiant soigneusement leur travail pour un grand effet et en \u00e9vitant la spontan\u00e9it\u00e9 qui est la marque de l’expressionnisme abstrait. Semblable au Pop Art, le Photor\u00e9alisme se concentre souvent sur l’imagerie li\u00e9e \u00e0 la culture de consommation.<\/p>\n

Le mot\u00a0Photor\u00e9alisme<\/i>\u00a0a \u00e9t\u00e9 invent\u00e9 par\u00a0Louis K. Meisel<\/a> en 1969 et est apparu sous forme imprim\u00e9e pour la premi\u00e8re fois en 1970 dans un catalogue du Whitney Museum pour l’exposition \u00ab\u00a0Twenty-two Realists\u00a0\u00bb. Il est \u00e9galement parfois \u00e9tiquet\u00e9 comme Super-Realism,\u00a0Nouveau r\u00e9alisme<\/a>, Sharp Focus Realism ou\u00a0Hyper-r\u00e9alisme<\/a>.<\/p>\n

Louis K. Meisel, deux ans plus tard, a d\u00e9velopp\u00e9 une d\u00e9finition en cinq points \u00e0 la demande de Stuart M. Speiser, qui avait command\u00e9 une importante collection d’\u0153uvres des Photor\u00e9alistes, qui s’est ensuite d\u00e9velopp\u00e9e en une exposition itin\u00e9rante connue sous le nom de \u00ab\u00a0Photo-R\u00e9alisme 1973\u00a0\u00bb : La collection Stuart M. Speiser’, qui a \u00e9t\u00e9 donn\u00e9e \u00e0 la\u00a0Smithsonian<\/a>\u00a0en 1978 et qui est pr\u00e9sent\u00e9e dans plusieurs de ses mus\u00e9es comme ainsi que de voyager sous les auspices de ‘site’. La peinture photor\u00e9aliste ne peut exister sans la\u00a0photographie<\/a>. Dans le Photor\u00e9alisme, le changement et le mouvement doivent \u00eatre fig\u00e9s dans le temps qui doit ensuite \u00eatre repr\u00e9sent\u00e9 avec pr\u00e9cision par l’artiste.<\/p>\n

Les Photor\u00e9alistes rassemblent leurs images et leurs informations avec l’appareil photo et la photographie. Une fois la photographie d\u00e9velopp\u00e9e (g\u00e9n\u00e9ralement sur une diapositive photographique), l’artiste transf\u00e9rera syst\u00e9matiquement l’image de la diapositive photographique sur des\u00a0des toiles<\/a>. Habituellement, cela se fait soit en projetant la diapositive sur la toile, soit en utilisant des techniques de grille traditionnelles.<\/p>\n

En fin de compte, comme dans beaucoup de choses dans l’art et dans la vie en g\u00e9n\u00e9ral, la conclusion finale reste dans l’interpr\u00e9tation individuelle. La r\u00e9ponse r\u00e9side dans l’\u0153il du spectateur, que vous trouviez la tension artistique en elle ou que vous l’admiriez simplement pour son talent, le Photor\u00e9alisme est remarquable et \u00e9tonnant en soi.<\/p>\n

27. Installation (1960-Aujourd’hui)<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Installation-Art_24_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

L\u00a0\u00bbInstallation est un mouvement dans l’art, d\u00e9velopp\u00e9 en m\u00eame temps que le Pop Art \u00e0 la fin des ann\u00e9es 1950, qui se caract\u00e9rise par des constructions \u00e0 grande \u00e9chelle et mixtes, souvent con\u00e7ues pour un lieu sp\u00e9cifique ou pour une p\u00e9riode temporaire. Souvent, l’art de l’Installation implique la cr\u00e9ation d’une exp\u00e9rience esth\u00e9tique ou sensorielle enveloppante dans un environnement particulier, invitant souvent l’engagement actif ou l’immersion du spectateur.<\/p>\n

L’art de l’Installation peut \u00eatre temporaire ou permanent. Des \u0153uvres d’art d’Installation ont \u00e9t\u00e9 construites dans des espaces d’exposition tels que des mus\u00e9es et des galeries, ainsi que dans des espaces publics et priv\u00e9s. Le genre int\u00e8gre un large \u00e9ventail de mat\u00e9riaux quotidiens et naturels, qui sont souvent choisis pour leurs qualit\u00e9s \u00ab\u00a0\u00e9vocatrices\u00a0\u00bb, ainsi que les\u00a0nouveaux m\u00e9dias\u00a0tels que\u00a0<\/a>vid\u00e9o<\/a>,\u00a0 son<\/a>,\u00a0performances<\/a>,\u00a0r\u00e9alit\u00e9 virtuelle immersive<\/a>\u00a0et\u00a0Internet<\/a>. De nombreuses installations sont sp\u00e9cifiques au site en ce sens qu’elles sont con\u00e7ues pour exister uniquement dans l’espace pour lequel elles ont \u00e9t\u00e9 cr\u00e9\u00e9es, faisant appel aux qualit\u00e9s \u00e9videntes d’un m\u00e9dium immersif en trois dimensions. C’est un mouvement tr\u00e8s populaire au 21\u00e8me si\u00e8cle.<\/p>\n

28. Art Conceptuel (1960-Aujourd’hui)
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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image-11-Conceptual-Art-Malevich-33-major-Art-Movements-and-their-influence-on-the-Art-World-Pencil-Vs-Camera-73-Ben-Heine-Art-1024x708_18_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

L’Art Conceptuel, parfois simplement appel\u00e9 conceptualisme, \u00e9tait l’un des nombreux mouvements artistiques du XXe si\u00e8cle apparus dans les ann\u00e9es 1960, mettant l’accent sur les id\u00e9es et les pratiques th\u00e9oriques plut\u00f4t que sur la cr\u00e9ation de formes visuelles. Le terme a \u00e9t\u00e9 invent\u00e9 en 1967 par l’artiste Sol LeWitt, qui a donn\u00e9 son nom au nouveau genre dans son essai \u00ab Paragraphs on Conceptual Art \u00bb, dans lequel il a \u00e9crit : \u00ab L’id\u00e9e elle-m\u00eame, m\u00eame si elle n’est pas rendue visuelle, est autant une \u0153uvre de l’art comme n’importe quel produit fini.<\/p>\n

L’Art Conceptuel est un mouvement artistique bas\u00e9 sur l’id\u00e9e que l’id\u00e9e ou le concept est l’essence de l’art. L’art n’a m\u00eame pas besoin de prendre une forme physique. Cela peut \u00eatre quelque chose que l’artiste dit ou fait ou un document de la pens\u00e9e de l’artiste. Comme le dit Sol LeWitt, \u00ab l’id\u00e9e elle-m\u00eame est une \u0153uvre d’art \u00bb. Ainsi, lorsque vous regardez l’art conceptuel au lieu de vous concentrer sur l’apparence de l’art, vous devriez vous concentrer sur le processus de r\u00e9flexion de l’artiste et l’id\u00e9e qui le sous-tend. L’Art Conceptuel, \u00e9galement appel\u00e9 Conceptualisme, est un art dans lequel le(s) concept(s) ou id\u00e9e(s) impliqu\u00e9(s) dans l’\u0153uvre priment sur les pr\u00e9occupations esth\u00e9tiques, techniques et mat\u00e9rielles traditionnelles.<\/p>\n

Certaines \u0153uvres d’Art Conceptuel, parfois appel\u00e9es Installations, peuvent \u00eatre construites par n’importe qui simplement en suivant un ensemble d’instructions \u00e9crites. Cette m\u00e9thode \u00e9tait fondamentale pour la d\u00e9finition de l’art conceptuel de l’artiste am\u00e9ricain Sol LeWitt, l’une des premi\u00e8res \u00e0 appara\u00eetre sur papier. Dans l’art conceptuel, l’id\u00e9e ou le concept est l’aspect le plus important de l’\u0153uvre. Lorsqu’un artiste utilise une forme d’art conceptuelle, cela signifie que toute la planification et les d\u00e9cisions sont prises \u00e0 l’avance et que l’ex\u00e9cution est une affaire de pure forme. L’id\u00e9e devient une machine qui fait l’art.<\/p>\n

29. Minimalisme (1960-Aujourd’hui)<\/h3>\n

\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\"frank-stella-1024x644-1_10_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

L’Art Minimaliste a \u00e9vit\u00e9 l’expression artistique, pr\u00e9f\u00e9rant garder les choses litt\u00e9rales (comme l’a dit l’un des fondateurs du Minimalisme, le peintre Frank Stella, \u00e0 propos du mouvement : \u00ab\u00a0Ce que vous voyez est ce que vous voyez\u00a0\u00bb). L’extr\u00eame simplicit\u00e9 \u00e9tait la cl\u00e9 de ce mouvement, o\u00f9 m\u00e9dium et mat\u00e9riaux volaient la vedette aux artistes derri\u00e8re eux. Apparu \u00e0 New York au d\u00e9but des ann\u00e9es 1960 (et \u00e9galement connu sous le nom d’art ABC, litt\u00e9ralisme, art litt\u00e9ral, r\u00e9ductivisme et art r\u00e9jectif), le Minimalisme \u00e9tait caract\u00e9ris\u00e9 par la raret\u00e9. C’est un mouvement principalement am\u00e9ricain dans les arts visuels et la musique originaire de New York \u00e0 la fin des ann\u00e9es 1960 et caract\u00e9ris\u00e9 par une extr\u00eame simplicit\u00e9 de forme et une approche litt\u00e9rale et objective. L’art minimal, ainsi que la musique d’Erik Satie et l’esth\u00e9tique de John Cage, ont eu une influence distincte sur la musique minimaliste. R\u00e9agissant contre le style complexe et intellectuellement sophistiqu\u00e9 de la musique moderne, plusieurs compositeurs ont commenc\u00e9 \u00e0 composer dans un style simple et litt\u00e9ral, cr\u00e9ant ainsi une musique extr\u00eamement simple et accessible.<\/p>\n

Tant dans la musique que dans les arts visuels, le Minimalisme \u00e9tait une tentative d’explorer les \u00e9l\u00e9ments essentiels d’une forme d’art. Dans les arts visuels minimalistes, les \u00e9l\u00e9ments personnels et gestuels ont \u00e9t\u00e9 supprim\u00e9s afin de r\u00e9v\u00e9ler les \u00e9l\u00e9ments objectifs et purement visuels de la peinture et de la sculpture.<\/p>\n

30. La Performance (1960-Aujourd’hui)
<\/h3>\n

\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image-12-Art-Movements-Art-History-Performance-art-Ben-Heine-Flesh-and-Acrylic-Moscow-Planetarium-2015-1000x1024_19_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

L’art de la Performance est un terme apparu dans les ann\u00e9es 1960 pour d\u00e9crire diff\u00e9rents types d’oeuvres cr\u00e9\u00e9s par des actions r\u00e9alis\u00e9es par l’artiste ou d’autres participants, qui peuvent \u00eatre en direct ou enregistr\u00e9es, spontan\u00e9es ou sc\u00e9naris\u00e9es. La performance d\u00e9fie les conventions des formes traditionnelles d’art visuel telles que la peinture et la sculpture en embrassant une vari\u00e9t\u00e9 de styles tels que les \u00e9v\u00e9nements, l’art corporel, la peinture corporelle, les actions et les \u00e9v\u00e9nements.<\/p>\n

31. Land Art (1965-Aujourd’hui)
<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Land-Art-Ben-Heine-Blog_25_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Le Land Art, connu sous le nom d’art de la terre, d’art environnemental et de terrassement, est un mouvement artistique qui a \u00e9merg\u00e9 dans les ann\u00e9es 1960 et 1970, largement associ\u00e9 \u00e0 la Grande-Bretagne et aux \u00c9tats-Unis. mais cela inclut \u00e9galement des exemples de nombreux pays. En tant que tendance, le \u00ab\u00a0Land Art\u00a0\u00bb a \u00e9largi les fronti\u00e8res de l’art par les mat\u00e9riaux utilis\u00e9s et l’emplacement des \u0153uvres. Les mat\u00e9riaux utilis\u00e9s \u00e9taient souvent les mat\u00e9riaux de la Terre, y compris le sol, les roches, la v\u00e9g\u00e9tation et l’eau trouv\u00e9s sur place, et les sites des travaux \u00e9taient souvent \u00e9loign\u00e9s des centres de population. Bien que parfois assez inaccessible, la documentation photographique \u00e9tait g\u00e9n\u00e9ralement amen\u00e9e \u00e0 la galerie d’art urbain. Le Land Art, terme invent\u00e9 par l’artiste Robert Smithson, est un mouvement qui s’est produit aux \u00c9tats-Unis \u00e0 la fin des ann\u00e9es 1960 et dans les ann\u00e9es 1970.<\/p>\n

Cependant, cette forme d’art existe depuis des milliers d’ann\u00e9es. Le Land Art est une \u0153uvre d’art cr\u00e9\u00e9e avec et incarn\u00e9e par le paysage physique. Le mouvement cherchait \u00e0 sortir l’art des mus\u00e9es et \u00e0 le placer dans un contexte naturel. De nombreuses \u0153uvres de Land Art sont temporaires ou laiss\u00e9es \u00e0 changer avec les \u00e9l\u00e9ments de la nature. L’\u0153uvre la plus connue du Land Art contemporain est Spiral Jetty (1970) que Smithson a cr\u00e9\u00e9 comme une saillie dans le Grand Lac Sal\u00e9 de l’Utah.<\/p>\n

La caract\u00e9ristique essentielle du Land Art est le lien indissociable entre l’\u0153uvre d’art et le paysage dans lequel elle est plac\u00e9e. Le Land Art est souvent compos\u00e9 de mat\u00e9riaux tels que la pierre, la roche m\u00e8re, l’eau, les branches et d’autres \u00e9l\u00e9ments naturels, mais le b\u00e9ton, le m\u00e9tal et les pigments sont \u00e9galement souvent utilis\u00e9s. Initialement, le Land Art est devenu populaire dans le sud-ouest am\u00e9ricain, mais ces \u0153uvres n’existent plus que sous forme de photographies ou d’enregistrements. Les artistes de ces \u0153uvres ont commenc\u00e9 \u00e0 cr\u00e9er du Land Art comme un moyen de condamner l’artificialit\u00e9 de l’art commercialis\u00e9 qui \u00e9tait populaire \u00e0 leur \u00e9poque. La premi\u00e8re \u0153uvre appel\u00e9e Land Art a \u00e9t\u00e9 cr\u00e9\u00e9e \u00e0 l’\u00e9cole de peinture et de sculpture de Skowhegan par les artistes Douglas Leichter et Richard SabaL<\/p>\n

32. Digital Circlism (2010-2020)<\/h3>\n

\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t\t
\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image-13-Art-Movement-Digital-Circlism-ben-heine-art-Print-3D-effect-copy-1024x576_20_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Gr\u00e2ce \u00e0 l’utilisation de logiciels graphiques et de beaucoup de cr\u00e9ativit\u00e9, Ben Heine, l’inventeur du Digital Circlism, recr\u00e9e des visages embl\u00e9matiques de l’histoire et de la culture Pop avec des cercles plats de diff\u00e9rentes tailles et couleurs, afin de leur donner un aspect dynamique et tridimensionnel. Heine le d\u00e9finit comme une synth\u00e8se du Pop Art (art comprenant des images de la culture populaire) et du pointillisme (technique de peinture qui utilise de petits points distincts de couleur pure). Dans cette s\u00e9rie, Heine d\u00e9veloppe une version num\u00e9rique et moderne du pointillisme en faisant des \u00ab\u00a0points\u00a0\u00bb de v\u00e9ritables cercles reconnaissables avec lesquels il cr\u00e9e des portraits de stars mondiales. La technique du cercle de Heine ajoute une signification symbolique aux sujets repr\u00e9sent\u00e9s. \u00ab Ces portraits sont aussi frappants que la photo embl\u00e9matique d’Alberto Korda du Che, mais soudainement repens\u00e9s pour \u00eatre projet\u00e9s \u00e0 l’infini dans des espaces num\u00e9riques. Ce mouvement rappelle aussi le vitrail. Chaque portrait n\u00e9cessite entre 100 et 180 heures de travail pour \u00eatre r\u00e9alis\u00e9. L’artiste a expliqu\u00e9 son flux de travail dans une interview pour\u00a0Adobe Photoshop<\/a>.<\/p>\n

33. Pencil Vs Camera (2010-2021)
<\/h3>\n

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\n\t\t\t\t\t\t\t\"Image-14-Art-Movement-Pencil-Vs-Camera-58-Ben-Heine-Art_21_11zon\"\t\t\t\t\t\t\t\t<\/a><\/p>\n

Pencil Vs Camera est un concept visuel original invent\u00e9 et popularis\u00e9 par Ben Heine<\/a> depuis avril 2010. C’est l’un des concepts artistiques les plus cr\u00e9atifs et les plus puissants du 21e si\u00e8cle. Les images de cette s\u00e9rie montrent g\u00e9n\u00e9ralement un croquis dessin\u00e9 \u00e0 la main tenu et photographi\u00e9 par l’artiste pour insuffler \u00e0 des sc\u00e8nes ordinaires de nouveaux r\u00e9cits surr\u00e9alistes, visionnaires ou romanc\u00e9s. L’id\u00e9e rappelle la r\u00e9alit\u00e9 augment\u00e9e.<\/p>\n

La main visible de Ben repr\u00e9sente le lien entre le spectateur, l’artiste et l’\u0153uvre d’art. Heine ne recr\u00e9e pas les photographies, mais il les r\u00e9imagine. Dans ces images, il raconte une histoire et transmet des messages intemporels en utilisant l’imagination, l’illusion, la po\u00e9sie et le surr\u00e9alisme. Son travail est aliment\u00e9 par une positivit\u00e9 intr\u00e9pide. Une photo d\u00e9j\u00e0 belle est rehauss\u00e9e d’un croquis qui ajoute une touche de satire et de fantaisie.<\/p>\n

Partant de simples croquis, Ben a apport\u00e9 des innovations majeures au concept en 2012 et 2013, en ajoutant des couleurs et du papier noir ou en augmentant la taille des dessins. Les premi\u00e8res images de Pencil Vs Camera de Heine ont rapidement gagn\u00e9 en popularit\u00e9 et ont re\u00e7u des critiques positives de la part de revues d’art sp\u00e9cialis\u00e9es. Depuis 2012, de nombreuses applications pour smartphone \u00e9mulent le style de Heine\u2019s Pencil Vs Camera. Plusieurs autres artistes ont \u00e9galement emprunt\u00e9 aux innovations de Heine pour cr\u00e9er des variations de son Pencil Vs Camera. <\/p>\n

Le concept est devenu un v\u00e9ritable mouvement artistique quand des centaines de milliers de jeunes s’y sont essay\u00e9s aux quatre coins du monde. Le concept est \u00e9galement devenu populaire dans de nombreuses \u00e9coles primaires et secondaires du monde entier. Il est utilis\u00e9 pour stimuler l’imagination des \u00e9l\u00e8ves et les encourager \u00e0 utiliser les nouvelles technologies et \u00e0 partager leurs id\u00e9es.<\/p>\n<\/p>\n

Article textuel: \u00a9 Ben Heine<\/a> \u2013 Cet article est prot\u00e9g\u00e9 par le copyright
Images: Wikipedia<\/a> – Les images appartiennent \u00e0 leurs propri\u00e9taires respectifs<\/p>\n

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\"Online<\/a><\/p>\n

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