De kunstwereld evolueert sinds het ontstaan van de mensheid. Kunstenaars bedenken voortdurend nieuwe kunststijlen. Een kunststroming is een tendens of stijl in de kunst met een specifieke gemeenschappelijke filosofie of doel, gevolgd door een groep kunstenaars gedurende een bepaalde periode (meestal enkele maanden, jaren of decennia) of op zijn minst, met de glorietijd van de stroming binnen een bepaald aantal jaren. Kunststromingen waren vooral belangrijk in de moderne kunst, toen elke opeenvolgende beweging werd beschouwd als een nieuwe avant-garde beweging. Er wordt geen regel toegepast bij het groeperen van kunststromingen.

Dit blogartikel bespreekt belangrijke kunststromingen, kunststijlen en kunstconcepten in de traditionele en hedendaagse wereld. Moderne stijlen zoals Pencil versus camera, Flesh en acryl en Digital Circlism bestaan in de moderne kunst en hebben impact gehad op de kunstwereld. De onderstaande afbeeldingen zijn afkomstig van Wikipedia en zijn eigendom van hun respectievelijke eigenaren.

De basis van de kunstgeschiedenis gaat tienduizenden jaren terug. Het begon in de Oude Steentijd. De mensheid gebruikte rotsgravures  om hun kunstvoorwerpen te ontwerpen. Ze konden stukken rots bewerken en deze gebruiken om hun muren te versieren. Het kan worden bewezen door de ontdekking van paleolithische grotkunstwerken in Lascaux, Frankrijk.

1. Prehistorische Kunst (-40.000 / 4.000)

De oorsprong van de kunstgeschiedenis gaat terug tot de prehistorie, voordat er geschreven documenten werden bijgehouden. De vroegste kunstvoorwerpen komen uit het paleolithische tijdperk, of de oude steentijd, in de vorm van rotstekeningen, gravures, afbeeldingen, sculpturen en steenformaties. Kunst uit deze periode was gebaseerd op het gebruik van natuurlijke pigmenten en steengravures om afbeeldingen van objecten, dieren en rituelen die het bestaan van een beschaving beheersten weer te geven. Een van de bekendste voorbeelden is die van de paleolithische grotschilderingen die 20.000 jaar geleden zijn gevonden in de complexe grotten van Lascaux in Frankrijk.

2. Oude Kunst (-4.000 / 400)

Oude kunst werd geproduceerd door de hogere bevolkingsgroepen, wat in dit geval verwijst naar mensen met een gevestigde schrijftaal. Deze beschavingen omvatten Mesopotamië, Egypte, Griekenland, en die van Amerika.

Het medium van een kunstwerk uit deze periode varieert afhankelijk van de cultuur die het heeft voortgebracht, maar de meeste kunst had vergelijkbare doelen: verhalen vertellen, gebruiksvoorwerpen zoals kommen en wapens versieren, religieuze en symbolische beelden weergeven en sociale status aantonen. Veel werken verbeelden verhalen van heersers, goden en godinnen.

3. Middeleeuwse Kunst (500 / 1400)

De Middeleeuwen, vaak de “Donkere Middeleeuwen” genoemd, markeerden een periode van economische en culturele achteruitgang na de val van het Romeinse Rijk in 476 na Christus.

Het omvat een enorme reikwijdte van tijd en plaats, meer dan 1000 jaar kunst in Europa, en in bepaalde periodes in West-Azië en Noord-Afrika . Het gaat over de belangrijke kunststromingen en -periodes, nationale en regionale kunst, genres, opwekkingen, de ambachten van de kunstenaars en de kunstenaars zelf. Een algemeen aanvaard schema omvat de latere fasen van Vroegchristelijke kunst, Migratieperiode kunst, Byzantijnse kunst, Insulaire kunst, Pre-romaanse, Romaanse kunst en Gotische kunst, evenals vele andere periodes binnen deze centrale stijlen. Bovendien had elke regio, meestal tijdens de periode waarin ze naties of culturen werden, zijn eigen specifieke artistieke stijl, zoals als Angelsaksische kunst of Vikingkunst.

Middeleeuwse kunst werd in veel verschillende media geproduceerd en werken zijn in grote aantallen bewaard gebleven zoals beeldhouwwerk, manuscripten, glas-in-lood, metaalbewerking en mozaïeken. Middeleeuwse kunst in Europa is voortgekomen uit het artistieke erfgoed van het Romeinse Rijk en de iconografische tradities van de vroegchristelijke kerk. Deze bronnen werden vermengd met de krachtige “barbaarse” artistieke cultuur van Noord-Europa om een opmerkelijke artistieke erfenis te produceren

4. Renaissance (1400 / 1600)

Deze stijl van schilderen, beeldhouwen en decoratieve kunst werd gekenmerkt door een focus op de natuur en het individualisme, de gedachte dat de mens onafhankelijk en zelfredzaam is. Hoewel deze idealen aanwezig waren in de late middeleeuwse periode, bloeiden ze in de 15e en 16e eeuw, parallel aan sociale en economische veranderingen zoals secularisatie.

De Renaissance bereikte zijn hoogtepunt in Florence, Italië, grotendeels te danken aan de Medici, een rijke koopmansfamilie die de kunsten en het humanisme onvoorwaardelijk steunde, een verscheidenheid aan overtuigingen en filosofieën die de nadruk leggen op het menselijke domein. Italiaanse ontwerper Filippo Brunelleschi en beeldhouwer Donatello waren in deze periode de belangrijkste vernieuwers.

5. Maniërisme (1527 / 1580)

Het maniërisme omvat een verscheidenheid aan benaderingen die worden beïnvloed door en reageren op de harmonieuze idealen die worden geassocieerd met kunstenaars zoals Leonardo da Vinci, Raphael en vroege Michelangelo. Waar de kunst uit de hoge renaissance de nadruk legt op proportie, balans en ideale schoonheid, overdrijft het maniërisme dergelijke kwaliteiten, wat vaak resulteert in composities die asymmetrisch of onnatuurlijk elegant zijn. Deze artistieke stijl staat bekend om zijn kunstmatige kwaliteiten (in tegenstelling tot naturalistische) en geeft de voorkeur aan compositorische spanning en instabiliteit in plaats van de balans en helderheid van eerdere renaissanceschilderkunst. Het maniërisme in literatuur en muziek staat bekend om zijn zeer bloemrijke stijl en intellectuele verfijning. De definitie van maniërisme en de fasen daarbinnen blijft onderwerp van discussie onder kunsthistorici. Sommige geleerden hebben het label bijvoorbeeld toegepast op bepaalde vroegmoderne vormen van literatuur (vooral poëzie) en muziek uit de 16e en 17e eeuw.

Het woord maniërisme komt van een Italiaans woord Maniera wat “Manier” of “Stijl” betekent. Toch hebben veel kunsthistorici verschillende opvattingen over het woord maniërisme, maar toch herkennen en identificeren velen het met de Europese kunst en cultuur in de 16e eeuw.

De term wordt ook gebruikt om te verwijzen naar enkele laatgotische schilders die van ongeveer 1500 tot 1530 in Noord-Europa werkten, met name de Antwerpse maniëristen – een groep die geen verband houdt met de Italiaanse beweging. Het maniërisme is ook naar analogie toegepast op de Zilveren Eeuw van de Latijnse literatuur.

6. Barok (1600 / 1750)

De term barok, afgeleid van het Portugese ‘barocco’ dat ‘onregelmatige parel’ of ‘steen’ betekent, is een stroming in de kunst en architectuur die zich in Europa ontwikkelde van het begin van de zeventiende tot het midden van de achttiende eeuw. Barok legt de nadruk op dramatische, overdreven beweging en heldere, gemakkelijk te interpreteren details, die ver verwijderd zijn van het surrealisme, om drama, spanning, uitbundigheid en grootsheid te produceren.

7. Neoclassicisme (1750 / 1850)

De principes van het neoclassicisme vormden de belichaming van de stijlen, theorieën of filosofieën van de verschillende soorten kunst uit het oude Griekenland en Rome, gericht op traditionele vormen met een focus op elegantie en symmetrie. Tijdens het begin/midden van de 18e eeuw maakte de barokke kunst plaats voor de decadente, grillige rococo. Later, rond 1780, werd deze frivole stijl opgevolgd door de volgende grote opleving van de klassieke kunst, het neoclassicisme. Deze nieuwe stijl, verdedigd door de geleerde Johann Winckelmann (1717-68), wordt geïllustreerd door de neoklassieke schilderkunst van Jacques-Louis David (1748-1825); de foto’s van zijn volgeling J.A.D. Ingres (1780-1867); het neoklassieke beeldhouwwerk van Antonio Canova (1757-1822); en de architectuur van ontwerpers als Jacques Soufflot (1713-80), Thomas Jefferson (1743-1826) en anderen.

8. Romantiek (1780 / 1850)

De romantiek was een artistieke, literaire, muzikale en intellectuele beweging die tegen het einde van de 18e eeuw in Europa ontstond en in de meeste gebieden haar hoogtepunt bereikte in de periode van ongeveer 1800 tot 1850. De romantiek werd gekenmerkt door de nadruk op emotie en individualisme en verheerlijking van het hele verleden en de natuur, waarbij de voorkeur wordt gegeven aan het middeleeuwse boven het klassieke. Het was deels een reactie op de industriële revolutie, de aristocratische sociale en politieke normen van het tijdperk van de verlichting en de wetenschappelijke rationalisering van de natuur, allemaal componenten van de moderniteit.

Tot de kenmerkende houdingen van de Romantiek behoorden het volgende: een diepere waardering voor de schoonheid van de natuur; een algemene verheffing van emotie boven rede en van de zintuigen boven intellect; een gerichtheid op het zelf en een verscherpt onderzoek van de menselijke persoonlijkheid en zijn stemmingen en mentale mogelijkheden; een preoccupatie met het genie, de held en de uitzonderlijke figuur in algemeen en een focus op zijn of haar passies en innerlijke strijd; een nieuwe kijk op de kunstenaar als een hoogst individuele schepper, wiens creatieve geest belangrijker is dan strikte naleving aan formele regels en traditionele procedures; de nadruk op verbeeldingskracht als toegangspoort tot transcendente ervaring en spirituele waarheid; een obsessieve interesse in volkscultuur, nationale en etnische culturele afkomst, en het middeleeuwse tijdperk; en een voorliefde voor het exotische, het afgelegen, het mysterieuze, het vreemde, het occulte, het monsterlijke, het zieke en zelfs het satanische.

9. Realisme (1848 / 1900)

Realisme is een kunstgenre dat in Frankrijk begon na de Franse Revolutie van 1848. Als duidelijke afwijzing van de romantiek, de dominante stijl die eraan vooraf was gegaan, richtten realistische schilders zich op scènes van hedendaagse mensen en het dagelijks leven. Wat nu normaal lijkt, was revolutionair na eeuwenlange schilders die exotische scènes uit de mythologie en de Bijbel uitbeeldden, of portretten maakten van de adel en de geestelijkheid. Realisme was het resultaat van meerdere gebeurtenissen: de anti-romantische beweging in Duitsland, de opkomst van de journalistiek en de opkomst van de fotografie. Een van de meest invloedrijke leiders van de realistische beweging is Gustave Courbet, een Franse kunstenaar die zich ertoe verbond alleen te schilderen wat hij fysiek kon zien.

10. Impressionisme (1865 / 1895)

Impressionisme was een radicale kunstbeweging die aan het eind van de 19e eeuw begon, voornamelijk rond Parijse schilders. Impressionisten kwamen in opstand tegen klassieke onderwerpen en omarmden de moderniteit en wilden werken maken die de wereld waarin ze leefden weerspiegelden. Wat hen verenigde was een focus op hoe licht een moment in de tijd kon definiëren, waarbij kleur voor definitie zorgde in plaats van zwarte lijnen. De impressionisten legden de nadruk op de praktijk van plein air schilderen, of buiten schilderen. Het Impressionisme, dat aanvankelijk bespot werd door critici, is sindsdien omarmd als een van de meest populaire en invloedrijke kunststijlen in de westerse geschiedenis.

Het werd beschouwd als de allereerste moderne vorm van schilderen. Het begon in Frankrijk als een formele kunst die zich later verspreidde naar andere delen van de wereld. Niet alleen dat, het is ook afhankelijk van de aanwezigheid van licht en penseelwerk om de aard van een onderwerp te laten zien. Duidelijk aanwezig tussen 1860 en 1870. Het werd geassocieerd met snel en hangend schetsachtig aanvoelen. Impressionisten zouden hun kunstwerken rond de moderne wereld kunnen centreren. Ze waren meer afhankelijk van wat er gebeurde dan van historische of religieuze zaken. Een Franse kunstenaar, Claude Monet genaamd, stond bekend om het idee van het impressionisme.

Hij was vooral geïnteresseerd in het tijdsverloop in zijn weergave van licht. Zijn serie schilderijen die de kathedraal van Rouen op verschillende tijdstippen van het jaar en de dag vastleggen, zijn duidelijke voorbeelden van Monets ideeën over hoe een onderwerp kan worden getransformeerd door eigenschappen eromheen. Zijn beroemdste werk van deze serie is de kathedraal van Rouen uit 1894: De  Facade bij Zonsonderdergang. Monet breidde zijn impressionistische praktijk gedurende zijn hele leven uit, met als hoogtepunt zijn meervoudige studies van de Waterlily Pond, van 1898 tot 1926, waarvan de latere werken in de serie (gemaakt vlak voor zijn dood) een bijna abstracte kwaliteit bereiken.

Het post-impressionisme was meer een reactie tegen het impressionisme, dat men te verstikkend vond. Post-impressionisten kozen ervoor om niet alleen te portretteren wat tastbaar was, maar namen een meer symbolische en emotionele benadering van hun onderwerp aan, vooral in kleurgebruik, wat niet vereist was om realisme uit te drukken. In het post-impressionisme legden kunstwerken meer nadruk op de kleuren en minder nadruk op het licht.

11. Pointillisme (1880 / 1891)

Pointillisme, ook bekend als ‘stippelkunst’ of ‘puntkunst’, is een schildertechniek die is ontwikkeld door de Franse kunstenaars Georges Seurat en Paul Signac. Het duo heeft hun impressionistische vrienden verlaten en evolueerde hun kleine verfvlekken en -streken tot duidelijke kleurstippen die, wanneer ze massaal werden aangebracht, samenhangende, gedetailleerde en dimensionale afbeeldingen vormden (een beetje zoals onze moderne pixels).

Het pointillisme omvatte het aanbrengen van verf in zorgvuldig geplaatste stippen van pure, onvermengde kleur. Volgens Seurat en Signac zouden deze door het oog van de kijker worden gemengd om een ​​ afbeelding te creëren die opvallender is dan een afbeelding die wordt gemaakt door kleuren op een conventioneel palet te mengen.

Vincent van Gogh, die Seurat en Signac kende uit zijn tijd in Parijs van 1886 tot 1888, had een korte relatie met het pointillisme. Enkele van zijn schilderijen uit die Parijse periode – zoals het Zelfportret uit 1887 – vertonen zeker sporen van deze invloed. (Na een bezoek aan het atelier van Seurat op een dag beweerde hij een ‘openbaring van kleur’ ​​te hebben ervaren.) Men is het er echter algemeen over eens dat Van Gogh een te rusteloze geest was voor een stijl die zo technisch is als het pointillisme.

12. Symbolisme (1880 / 1910)

Symbolisme was een laat-negentiende-eeuwse kunststroming van Franse, Russische en Belgische oorsprong in poëzie en andere kunsten die absolute waarheden symbolisch trachtte weer te geven door middel van metaforische beelden en taal, voornamelijk als reactie tegen naturalisme en realisme. In de literatuur vindt deze stijl zijn oorsprong in de publicatie van Les Fleurs du mal van Charles Baudelaire in 1857. De werken van Edgar Allan Poe, die Baudelaire enorm bewonderde en in het Frans vertaalde, waren van grote invloed en de bron van veel standaardstijlen en afbeeldingen. De esthetiek werd ontwikkeld door Stéphane Mallarmé en Paul Verlaine in de jaren 1860 en 1870. In de jaren 1880 werd de esthetiek verwoord door een reeks manifesten en trok deze een generatie schrijvers aan. De term ‘symbolist’ werd voor het eerst toegepast door de criticus Jean Moréas, die de term uitvond om de symbolisten te onderscheiden van de verwante Decadenten van literatuur en kunst.

13. Jugendstil (1890 / 1910)

Het is een internationale stijl van kunst, architectuur en toegepaste kunst, vooral de decoratieve kunst, in verschillende talen bekend onder verschillende namen: Jugendstil in het Duits,  Stile Liberty in het Italiaans, Modernisme català in het Catalaans, enz. In het Engels is het ook bekend als de Modern style>. De stijl was het populairst tussen 1890 en 1910. Het was een reactie tegen de academische kunst, eclecticisme en historicisme van de 19e eeuwse architectuur en decoratie. Het werd vaak geïnspireerd door natuurlijke vormen zoals de golvende rondingen van planten en bloemen. Andere kenmerken van art nouveau waren een gevoel van dynamiek en beweging, vaak gegeven door asymmetrie of whiplash-lijnen, en het gebruik van moderne materialen, met name ijzer, glas, keramiek en later beton, om ongebruikelijke vormen en grotere open ruimtes te creëren. 

Een belangrijk doel van de Art Nouveau was om het traditionele onderscheid tussen beeldende kunst (vooral schilderkunst en beeldhouwkunst) en toegepaste kunst te doorbreken. Het werd het meest gebruikt in interieurontwerp, grafische kunst, meubels, glaskunst, textiel, keramiek, sieraden en metaalbewerking.

Vanuit België en Frankrijk verspreidde het zich naar de rest van Europa en kreeg het in elk land andere namen en kenmerken

14. Fauvisme (1905 / 1910)

Het was het eerste project in zijn soort dat slaagde en bloeide in de 20ste eeuw. Henry Matisse, die het project ontwierp, voegde een beetje emotionaliteit toe aan de schilderijen. Hij voegde penseelstreken en levendige kleuren toe aan de kunstwerken waardoor ze aantrekkelijker werden voor het publiek. De schilderijen van de Fauves werden gekenmerkt door schijnbaar wild penseelwerk en felle kleuren, terwijl hun onderwerpen een hoge mate van vereenvoudiging en abstractie kenden. Het fauvisme kan worden beschouwd als een extreme ontwikkeling van Van Goghs post-impressionisme, vermengd met het pointillisme van Seurat en andere neo-impressionistische schilders, in het bijzonder Paul Signac. Andere belangrijke invloeden waren Paul Cézanne en Paul Gauguin, wiens gebruik van gebieden met verzadigde kleuren – met name in schilderijen uit Tahiti – Derains werk in Collioure in 1905 sterk beïnvloedde.

15. Expressionisme (1905 / 1925)

Het Expressionisme wordt meer beschouwd als een internationale tendens dan als een coherente kunstbeweging, die vooral in het begin van de twintigste eeuw van grote invloed was. Het omvatte verschillende gebieden: kunst, literatuur, muziek, theater en architectuur. Expressionistische kunstenaars probeerden de emotionele ervaring uit te drukken in plaats van de fysieke realiteit. Beroemde expressionistische schilderijen zijn De schreeuw van Edvard Munch, Der Blaue Reiter van Wassily Kandinsky en Zittende vrouw met opgetrokken benen van Egon Schiele. Expressionisme is een complexe en veelomvattende term die op verschillende momenten verschillende dingen heeft betekend.

Mensen, plaatsen en objecten worden vervormd of overdreven. Zelfs de natuur wordt soms vervormd. De scènes tonen een moderne wereld die vijandig en vervreemdend is. Het sinistere gevoel wordt versterkt door agressieve en rauwe penseelstreken.

16. Kubisme (1908 / 1920)

Het kubisme is een avant-garde kunstbeweging uit het begin van de 20e eeuw die een revolutie teweegbracht in de Europese schilderkunst en beeldhouwkunst en die verwante stromingen in muziek, literatuur en architectuur inspireerde. In kubistische kunstwerken worden objecten geanalyseerd, uit elkaar gehaald en opnieuw in elkaar gezet in een geabstraheerde vorm, in plaats van objecten vanuit één enkel gezichtspunt weer te geven, beeldt de kunstenaar het onderwerp af vanuit een veelvoud van gezichtspunten om het onderwerp in een grotere context weer te geven. Het kubisme wordt beschouwd als de meest invloedrijke kunststroming van de 20e eeuw.

17. Constructivisme (1914 / 1930)

Het constructivisme, ontwikkeld door de Russische avant-garde rond 1914, is een tak van abstracte kunst, waarbij het idee van ‘kunst om de kunst’ wordt verworpen ten gunste van kunst als een praktijk gericht op sociale doeleinden. Het werk van de beweging was meestal geometrisch en nauwkeurig gecomponeerd, soms door middel van wiskunde en meetinstrumenten.

18. Futurisme (1909 / 1918)

Het was een controversiële beweging die op een gegeven moment probeerde om mensen te vergelijken met machinaal bewerkte wezens. Het belangrijkste doel was om snelheid en innovatie in de samenleving te omarmen. In deze beweging stelde Filippo Marinetti een manifest voor dat zich niet beperkte tot kunstwerken, er waren architecten, schilders en schrijvers. De in die tijd gemaakte schilderijen waren van auto’s, treinen en dieren.

19. Suprematisme (1913 / 1918)

Suprematism is een kunststroming gericht op geometrische basisvormen, zoals cirkels, vierkanten, lijnen en rechthoeken, geschilderd in een beperkte aantal kleuren. Het werd opgericht door Kazimir Malevich in Rusland en aangekondigd in Malevich’s Laatste Futurischtische tentoosntelling van Schilderijen 0,10, in 1915 in St. Petersburg, waar hij, samen met 13 andere kunstenaars, 36 werken in een vergelijkbare stijl tentoonstelde. De term suprematisme verwijst naar een abstracte kunst die gebaseerd is op “de suprematie van puur artistiek gevoel” in plaats van op de visuele weergave van objecten.

Het suprematisme was een kunstbeweging die tijdens de Eerste Wereldoorlog in Rusland werd opgericht. De eerste aanwijzingen hiervan kwamen naar voren in achtergrond- en kostuumschetsen die Kazimir Malevich in 1913 ontwierp voor Victory Over the Sun, een Futuristische opera uitgevoerd in St. Petersburg. Hoewel de tekeningen nog steeds een duidelijke relatie hebben met het cubo-futurisme (een Russische kunststroming waarbij Malevich prominent betrokken was), komen de eenvoudige vormen die een visuele basis vormen voor het suprematisme herhaaldelijk terug.

20. Dadaïsme (1916 / 1924)

Tijdens de Eerste Wereldoorlog zochten talloze kunstenaars, schrijvers en intellectuelen die tegen de oorlog waren hun toevlucht in Zwitserland. Vooral Zürich was een verzamelplaats voor mensen in ballingschap, en hier openden Hugo Ball en Emmy Hemmings op 5 februari 1916 het Cabaret Voltaire. Het Cabaret was een ontmoetingsplek voor de meer radicale avant-gardekunstenaars. Een kruising tussen een nachtclub en een kunstencentrum, waar kunstenaars hun werk konden tentoonstellen tussen baanbrekende poëzie, muziek en dans. Hans (Jean) Arp, Tristan Tzara, Marcel Janco en Richard Huelsenbeck behoorden tot de oorspronkelijke medewerkers van het Cabaret Voltaire. Naarmate de oorlog vorderde, werden hun kunst en uitvoeringen steeds meer experimenteel, dissident en anarchistisch. Samen protesteerden ze onder de strijdkreet van DADA tegen de zinloosheid en verschrikkingen van de oorlog.

21. Surrealisme (1917 / 1950)

Het Surrealisme was een culturele beweging die zich in Europa ontwikkelde in de nasleep van Eerste Wereldoorlog en werd grotendeels beïnvloed door Dada. De beweging is vooral bekend om zijn visuele kunstwerken en geschriften en de juxtapositie van verre realiteiten om het onbewuste te activeren door middel van beelden. Kunstenaars schilderden zenuwslopende, onlogische scènes, soms met fotografische precisie, maakten vreemde wezens van alledaagse voorwerpen en ontwikkelden schildertechnieken waarmee ze het onbewuste de kans gaven om zich uit te drukken. Het doel was, volgens leider André Breton, om “de voorheen tegenstrijdige voorwaarden van droom en werkelijkheid op te lossen in een absolute realiteit, een superrealiteit”, of surrealiteit.

Werken van surrealisme bevatten het verrassingselement, onverwachte juxtaposities en non sequitur. Veel surrealistische kunstenaars en schrijvers beschouwen hun werk echter in de eerste plaats als een uitdrukking van de filosofische beweging (bijvoorbeeld van het ‘puur psychisch automatisme’ waarover Breton spreekt in het eerste surrealistische manifest), waarbij de werken zelf van secundair belang zijn, d.w.z. artefacten van surrealistische experimenten. Leider Breton was expliciet in zijn bewering dat het surrealisme vooral een revolutionaire beweging was. Destijds werd de beweging geassocieerd met politieke doelen zoals communisme en anarchisme.

22. Kinetische Kunst (1920 / 1960)

Kinetische kunst is afgeleid van het Griekse woord “kinesis”, wat “beweging” betekent. Vandaar dat kinetische kunst verwijst naar kunstvormen die beweging bevatten. Over het algemeen zijn kinetische kunstwerken meestal driedimensionale sculpturen die op natuurlijke wijze bewegen (bijvoorbeeld door wind aangedreven) of worden bediend door een machine of de gebruiker. De schijnbaar hedendaagse kunstbeweging heeft zijn wortels in het impressionisme, toen kunstenaars voor het eerst probeerden beweging in hun kunst tot uitdrukking te brengen. In de vroege jaren 1900 begonnen kunstenaars verder te experimenteren met kunst in beweging, met sculpturale machines en mobielen die kinetische kunst vooruit duwden. De Russische kunstenaars Vladimir Tatlin en Alexander Rodchenko waren de eerste makers van sculpturale mobielen, iets dat later zou worden geperfectioneerd door Alexander Calder.

In hedendaagse termen omvat kinetische kunst sculpturen en installaties die beweging als voornaamste overweging hebben. Kinetische kunst is een kunststroming die werken voorstelt met bewegende delen. De beweging kan worden geproduceerd door de wind, de zon, een motor of de toeschouwer. Kinetische kunst omvat een grote verscheidenheid aan overlappende technieken en stijlen.

23. Abstract Expressionisme (jaren 1940-1950)

Abstract expressionisme is een kunststroming van na de Tweede Wereldoorlog in de Amerikaanse schilderkunst, die in de jaren veertig is ontwikkeld in New York City. Het was de eerste specifiek Amerikaanse stroming die internationale invloed verwierf en New York in het centrum van de westerse kunstwereld plaatste, een rol die voorheen door Parijs werd vervuld. Hoewel de term ‘abstract expressionisme’ in 1946 voor het eerst werd toegepast op Amerikaanse kunst door kunstcriticus Robert Coates, werd het in 1919 voor het eerst in Duitsland gebruikt in het tijdschrift Der Sturm, over het Duitse expressionisme. In de Verenigde Staten gebruikte Alfred Barr deze term in 1929 als eerste in verband met werken van Wassily Kandinsky.

24. Art Deco (1920 / 1935)

De Art Deco-beweging, die in de jaren twintig voortkwam uit de Art Nouveau, probeerde in massa geproduceerde, functionele constructies zoals klokken, auto’s en gebouwen te verfraaien. Het bereikte het hoogtepunt van zijn populariteit tussen de wereldoorlogen en probeerde luxe, glamour en technologische en sociale vooruitgang te vertegenwoordigen.

25. Pop-Art (1950 / 1960)

Pop-Art is een kunststroming die halverwege de jaren vijftig ontstond in het Verenigd Koninkrijk en de Verenigde Staten. De beweging vormde een uitdaging voor tradities van beeldende kunst door beeldspraak uit de populaire en massacultuur te gebruiken, zoals reclame, stripboeken en alledaagse in massa geproduceerde objecten. Een van de doelen is om afbeeldingen van populaire cultuur (in tegenstelling tot elitaire) in de kunst te gebruiken, waarbij de banale of kitscherige elementen van elke cultuur worden benadrukt, meestal door het gebruik van ironie. Het wordt ook geassocieerd met het gebruik van mechanische reproductie- of weergavetechnieken van kunstenaars. In pop-art wordt materiaal soms visueel uit de bekende context verwijderd, geïsoleerd of het wordt gecombineerd met niet-gerelateerd materiaal.

26. Fotorealisme (1960 / Nu)

Fotorealisme is een stijl van beeldende kunst die zich bezighoudt met het technische vermogen om kijkers te imponeren. Het was in de eerste plaats een Amerikaanse kunstbeweging, maar kreeg eind jaren zestig en zeventig een impuls als reactie tegen het abstracte expressionisme. Hier waren kunstenaars het meest bezig met het schilderen en nabootsen van een foto naar hun beste vermogen, waarbij ze hun werk zorgvuldig planden om een groot effect te bereiken en de spontaniteit die het kenmerk is van het abstracte expressionisme achterwegen te laten. Net als bij pop-art is fotorealisme vaak gericht op beelden die verband houden met de consumentencultuur.

Het woord Fotorealisme is bedacht door Louis K. Meisel in 1969 en verscheen voor het eerst in 1970 in een Whitney Museum-catalogus voor de tentoonstelling “Twenty-two Realists”. Het wordt soms ook aangeduid als superrealisme, Nieuw realisme, Sharp Focus-realisme of Hyperrealisme.

Louis K. Meisel ontwikkelde twee jaar later een vijfpuntige definitie op verzoek van Stuart M. Speiser, die opdracht had gegeven tot een grote verzameling werken van de fotorealisten, die later uitgroeide tot een reizende show die bekend staat als ‘Photo-Realism 1973′. : The Stuart M. Speiser Collection’, die in 1978 werd geschonken aan het Smithsonian en in verschillende van zijn musea wordt getoond en ook reist onder het toezicht van van ‘site’. Fotorealistische schilderkunst kan niet bestaan ​​zonder de foto. In het fotorealisme moeten verandering en beweging worden bevroren in de tijd die vervolgens nauwkeurig moet worden weergegeven door de kunstenaar.

Fotorealisten verzamelen hun beelden en informatie met de camera en fotograferen. Zodra de foto is ontwikkeld (meestal op een fotografische dia), zet de kunstenaar de afbeelding systematisch van de fotografische dia over op canvas. Meestal wordt dit gedaan door de dia op het canvas te projecteren of door traditionele rastertechnieken te gebruiken.

Uiteindelijk, zoals bij veel dingen in de kunst en het leven in het algemeen, blijft de eindconclusie achter het individuele perspectief. Het antwoord ligt in het oog van de toeschouwer, of u nu de artistieke spanning erin vindt, of het gewoon bewondert vanwege het pure talent, fotorealisme is opmerkelijk en verbazingwekkend op zich.

27. Installatiekunst (1960 / Nu)

Installatiekunst is een kunststroming die aan het eind van de jaren vijftig tegelijk met pop-art ontstond en gekenmerkt wordt door grootschalige, gemengde constructies, vaak ontworpen voor een specifieke plaats of voor een tijdelijke periode. Installatiekunst omvat vaak het creëren van een omhullende esthetische of zintuiglijke ervaring in een bepaalde omgeving, vaak uitnodigend tot actieve betrokkenheid of onderdompeling door de toeschouwer.

Installatiekunst kan tijdelijk of permanent zijn. Installatiekunstwerken zijn gebouwd in tentoonstellingsruimten zoals musea en galerijen, maar ook in openbare en privé-ruimtes. Het genre omvat een breed assortiment aan alledaagse en natuurlijke materialen, die vaak worden gekozen vanwege hun ‘evocatieve’ kwaliteiten, evenals nieuwe media zoals video,  geluid, prestaties, meeslepende virtual reality en het internet. Veel installaties zijn locatie specifiek in die zin dat ze zijn ontworpen om alleen te bestaan ​​in de ruimte waarvoor ze zijn gemaakt, en een beroep doen op de kwaliteiten die duidelijk zijn in een driedimensionaal meeslepend medium.

28. Conceptuele Kunst (1960 / Nu)

Conceptuele kunst is een term die in de jaren zestig opkwam om verschillende soorten kunst te beschrijven die worden gemaakt door acties die worden uitgevoerd door de kunstenaar of andere deelnemers, die live of opgenomen, spontaan of uitgeschreven kunnen zijn.

29. Minimalistische Kunst (1960 / Nu)

Minimalistische kunst schuwde artistieke expressie en hield de dingen liever letterlijk (zoals één van de oprichters van het minimalisme, schilder Frank Stella, zei over de beweging: ‘Wat je ziet is wat je ziet’). Extreme eenvoud was de sleutel tot deze beweging, waar medium en materialen de show stalen van de artiesten erachter. Opkomend in New York in de vroege jaren ‘60 (en ook bekend als ABC-kunst, Literalisme, Letterlijke Kunst, Reductivisme en Rejectieve Kunst), werd het minimalisme gekenmerkt door schaarste. Minimalisme, voornamelijk een Amerikaanse stroming in de beeldende kunst en muziek, ontstond ​​eind jaren zestig in New York City en werd gekenmerkt door extreme eenvoud van vorm en een letterlijke, objectieve benadering. Minimalistische kunst, samen met de muziek van Erik Satie en de esthetiek van John Cage, had een duidelijke invloed op minimalistische muziek. In reactie op de complexe, intellectueel verfijnde stijl van moderne muziek, begonnen verschillende componisten te componeren in een eenvoudige, letterlijke stijl, waardoor ze een uiterst eenvoudige en toegankelijke muziek creëerden.

Zowel in de muziek als in de beeldende kunst was minimalisme een poging om de essentiële elementen van een kunstvorm te verkennen. In de minimalistische beeldende kunst werden de persoonlijke, gebarende elementen weggenomen om de objectieve, puur visuele elementen van schilder- en beeldhouwkunst te onthullen.

30. Performance Kunst (1960 / Nu)

Een term die in de jaren zestig opkwam om verschillende soorten kunst te beschrijven die worden gemaakt door acties die worden uitgevoerd door de kunstenaar of andere deelnemers, die live of opgenomen, spontaan of uitgeschreven kunnen zijn. Performance daagt de conventies uit van traditionele vormen van beeldende kunst zoals schilderkunst en beeldhouwkunst door een verscheidenheid aan stijlen te omarmen, zoals happenings, body art, bodypainting, acties en evenementen.

31. Landkunst (1965 / Nu)

Land art, ook wel bekend als Earth art, environment art en Earthworks, is een kunststroming die ontstond in de jaren zestig en zeventig, vooral in Groot-Brittannië en de Verenigde Staten. maar die ook voorbeelden uit vele andere landen bevat. Als een trend verlegde “land art” de grenzen van de kunst door de gebruikte materialen en de situering van de werken. De gebruikte materialen waren vaak de materialen van de aarde, inclusief de grond, rotsen, vegetatie en water die ter plaatse werden gevonden, en de locaties van de werken waren vaak ver weg van bevolkingscentra. Hoewel soms tamelijk ontoegankelijk, werd fotodocumentatie vaak mee teruggebracht naar de stedelijke kunstgalerie. Land Art, een term die is bedacht door de kunstenaar Robert Smithson, is een beweging die zich eind jaren zestig en zeventig in de VS ontwikkelde.

De kunstvorm bestaat echter al duizenden jaren. Land Art is een kunstwerk gemaakt met en opgebouwd uit het fysieke landschap. De beweging probeerde kunst uit musea te halen en in een natuurlijke context te plaatsen. Veel werken van Land Art zijn tijdelijk of veranderen met de elementen van de natuur. Het bekendste werk van de hedendaagse Land Art is Spiral Jetty (1970), dat Smithson creëerde als een uitsteeksel in het Great Salt Lake in Utah.

Het essentiële kenmerk van Land Art is de onlosmakelijke band tussen het kunstwerk en het landschap waarin het wordt geplaatst. Land Art bestaat vaak uit materialen zoals steen, bodemgesteente, water, takken en andere natuurlijke elementen, maar vaak worden er ook beton, metaal en pigmenten gebruikt. Aanvankelijk werd Land Art populair in het Amerikaanse zuidwesten, maar deze werken bestaan ​​nu alleen nog als foto’s of opnames. De kunstenaars van deze werken begonnen Land Art te creëren als een manier om de kunstmatigheid van de gecommercialiseerde kunst die in hun tijd populair was, te veroordelen. Het eerste werk dat Land Art wordt genoemd, is gemaakt aan de Skowhegan School of Painting and Sculpture door kunstenaars Douglas Leichter en Richard Saba.

32. Digital Circlism (2010 – 2020)

In deze reeks, die in 2010 van start ging, recreëert Ben Heine met behulp van grafische software en heel wat creativiteit iconische gezichten uit de geschiedenis en de popcultuur met platte cirkels van verschillende grootte en kleur, om ze een dynamisch en 3-dimensionaal uitzicht te geven. Heine definieert het als een synthese van popart (kunst inclusief beeldspraak uit de populaire cultuur) en pointillisme (schildertechniek die kleine, duidelijke stippen van pure kleur gebruikt). In deze serie actualiseert Heine de pointillistische kunstschool door van de ‘punten’ daadwerkelijk herkenbare cirkels te maken waarmee hij portretten maakt van popiconen en anderen. Heine’s cirkeltechniek voegt een symbolische betekenis toe aan de geportretteerde onderwerpen. “Deze portretten zijn net zo opvallend als posters van de iconische Alberto Korda-foto van Che, maar dan plotseling opnieuw bedacht om te worden geprojecteerd op de oneindige cyberwall van de digitale ruimte, een soort moderne glas-in-loodkunstwerken. Elk portret vereist tussen de 100 en 180 uur werk om te voltooien. De kunstenaar legde zijn workflow uit in een interview voor Adobe Photoshop.

33. Pencil versus camera (2010-2021)

Pencil Vs Camera is een origineel visueel concept dat in april 2010 is uitgevonden en daarna gepopulariseerd is door Ben Heine. Het is ook een van de meest creatieve en krachtige kunstconcepten van de 21e eeuw. De afbeeldingen in deze serie laten meestal wat gekke realiteit zien door middel van een handgetekende schets die door de kunstenaar wordt vastgehouden en gefotografeerd om gewone scènes te doordrenken met nieuwe surrealistische, visionaire of geromantiseerde verhalen.

De zichtbare hand van Ben vertegenwoordigt de verbinding tussen de kijker, de kunstenaar en het kunstwerk. Heine recreëert geen foto’s, maar verbeeldt ze opnieuw. In deze beelden vertelt hij graag een verhaal en brengt hij tijdloze boodschappen over met behulp van verbeeldingskracht, illusie, poëzie en surrealisme. Zijn werk wordt aangedreven door een enorme positiviteit. Een al mooi ogende foto wordt verbeterd met een schets die een vleugje satire en eigenzinnigheid toevoegt. Beginnend met eenvoudige schetsen, bracht Ben in 2012 en 2013 grote innovaties in het concept aan door kleuren en zwart papier toe te voegen of de tekeningen te vergroten.

Heine’s eerste Pencil Vs Camera afbeeldingen wonnen snel aan populariteit en kregen positieve kritiek van gespecialiseerde en invloedrijke kunstexperts. Sinds 2012 bootsen veel smartphone-applicaties de stijl van Heine’s Pencil Vs Camera na. Duizenden kunstenaars hebben ook geleend van Heine’s innovaties om variaties op Pencil Vs Camera te creëren.

Het concept werd een echte artistieke beweging toen honderdduizenden jonge mensen het over de hele wereld probeerden. Het concept is populair geworden op veel basisscholen en middelbare scholen over de hele wereld. Het wordt gebruikt om de verbeelding van studenten te stimuleren en hen aan te moedigen nieuwe technologieën te gebruiken en hun ideeën te delen.

Artikel: © Ben Heine
Beelden: De onderstaande afbeeldingen zijn afkomstig van Wikipedia en zijn eigendom van hun respectievelijke eigenaren.

Easily back up all your data online with pCloud!